花卉油畫靜物

⑴ 求古典油畫大師的作品 高清圖（最好是靜物花卉類的）！

自己去找找：

世界經典名畫(1) 放大版 60張
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世界經典名畫(2) 放大版 60張
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世界經典名畫(3) 放大版 60張
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世界經典名畫(4) 放大版 10張
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梵高繪畫作品 放大版 40張
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抽象派繪畫 放大版 20張
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畢加索繪畫作品 放大版 21張
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倫敦國家畫廊繪畫精選(1) 放大版 40張
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倫敦國家畫廊繪畫精選(2) 放大版 40張
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倫敦國家畫廊繪畫精選(3) 放大版 40張
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倫敦國家畫廊繪畫精選(4) 放大版 40張
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倫敦國家畫廊繪畫精選(5) 放大版 40張
http://www.360doc.com/content/12/0221/23/4310958_188499050.shtml
倫敦國家畫廊繪畫精選(6) 放大版 40張
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倫敦國家畫廊繪畫精選(7) 放大版 40張
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倫敦國家畫廊繪畫精選(8) 放大版 40張
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倫敦國家畫廊繪畫精選(9) 放大版 40張
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倫敦國家畫廊繪畫精選(10) 放大版 40張
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另一個版本非全古典：

《風光油畫_波濤拍岸》 放大版19張
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《航海題材繪畫合輯》 放大版85張
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《歐美油畫精選（二）》 放大版57張
http://www.360doc.com/content/12/0711/06/4310958_223499162.shtml
《歐美油畫精選（一）》 放大版69張
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《油畫 敦煌飛天之舞》 放大版42張
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《歐洲風景油畫精選》 放大版52張
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⑵ 我要寫油畫靜物花卉方面的論文，能不能給我想個題目

油畫花卉與真實花卉的交融美

⑶ 各種花卉,,花朵的色彩,水粉畫法

畫出優秀的水粉畫及花卉要注意一下幾點：
1-調色
寫生時調配色彩，是建立在正確觀察和理解對象的色彩關系的基礎上。調配顏色不能孤立的看一塊，調一塊，畫一塊。而要考慮整個的色調和色彩關系，從整體中去決定每一塊顏色。水粉畫寫生色彩不易銜接，也應該在明確色彩的大關系的基礎上，把幾個大色塊的顏色加以試調，准備好再往上畫。切忌脫離整體，看一塊，調一塊，畫一塊，接著又調一塊改一塊。水粉畫顏色濕時深，干後淺，干濕變化明顯。水粉畫經典《天河白馬》如果調色時使用粉(白色)多，或已經畫了較厚的色層，再著色作畫，又使用的是吸水性強的紙，顏料的干濕變化就更顯著。這使水粉畫調色不容易做出正確的估計。造成色彩銜接、覆蓋和修改上的困難。這是水粉畫的一個明顯特色和難點。初學時要特別注意這個問題。所以入手時要先畫重顏色。一般來說，趁畫面濕時，顏色濕與濕比，一口氣畫完，色彩關系易於掌握。如果在一色已乾的情況下再銜接、覆蓋顏色，就要注意顏色的干濕變化。
2-水的使用
水的使用在水粉畫中雖然不及水彩畫中那樣重要，但也是不可忽視的。水主要是起稀釋、媒介的作用。調水粉畫作品欣賞色、用筆和色層薄變化，都與水的使用，有密切關系。《水粉畫》(高等教育出版社)一般來說，適當地用水可以使畫面有流暢、滋潤、渾厚的效果。過多的用水則會減少色度，引起水漬、污點和水色淤積。而用水不足又會使顏色乾枯、粘厚，難於用筆。通常用水以能流暢地用筆、蓋住底色，為宜。在畫暗處、虛處和遠處，一般可適當地多用水，以增強其虛遠和透明感。從作畫步驟來說。在鋪大調子時水要用的多些，使色層較薄，便於再往上著色。在作畫過程中，水太臟了要及時換。尤其是畫色彩鮮明的部位，調色用水要潔凈。
3-用筆
由於各種類型的筆都可以用來作水粉畫，因此水粉畫的用筆技巧是異常豐富的。並且是在借鑒油畫。國畫和水彩畫筆法的過程中，不斷加以發展的。水粉畫中常見的筆法。
「平筆法」——筆跡隱蔽。畫面色層平整；
「散除法」——筆跡顯露，但色層厚薄變化不顯著；
「厚除法」——色層錯綜重疊，用色較厚、厚薄相間；
「點彩法」——利用光色的空間、初覺混合原理，用密集的小筆觸（色點）塑造形象。（這種筆法用得較少，較難掌握，初學時不宜過早效仿）

4-銜接
水粉畫由於顏色幹得較快、干濕變化顯著，又加之用水，顏色會在畫面上流動，滲化和容易產生水漬，因此熟練地掌握好銜接技巧，對於畫好水粉畫關系很大。水粉畫的銜接主要可以分為濕接、干接和壓接這三種方法。
所謂濕接，是鄰接的色塊趁前一塊色尚未乾時接上第二、三塊顏色。或是兩塊相鄰的顏色碰接上。或是一塊顏色中趁濕點入其它顏色，讓其滲化。再或在筆頭的不同部位分別蘸上幾種不同的顏色，畫到紙上時利用筆肚的水分，讓其自然化接。
所謂干接，就是鄰接的色塊在前一塊顏色已經幹了的時候，再接上第二、三塊顏色。
所謂壓接，就是相鄰的色塊（形體的轉折或不同的物物體），前一塊色畫得稍大於應有的形，第二、三個色塊成一種節奏感。要防止缺乏整體處理意圖的凌亂用筆。接上去時，是壓放在前一塊色上，壓出前一塊色應有的形。進行壓接時，要注意顏色（壓接上去的顏色）的蓋色力和粘著性，一般來說壓上去的這塊色要比已畫的色塊稍厚一些。
5-覆蓋
所謂覆蓋，就是在已畫的色層上再畫上一層或數層顏色。覆蓋的主要作用可以概括為兩點：一是使畫面色層水粉畫作品欣賞重疊，厚薄有變化，是塑造形象的一種技法；二是一種修改方法。水粉畫顏色的蓋色力是比較強的，但又各有差異，加上作畫時調用清水，覆蓋時掌握不好就容易使底色（被覆蓋的色層）泛起，產生水漬，造成色彩污濁。有時又故意用很薄的顏色覆蓋，讓底層色透露出來。這些具體效果都不容易估計，所以要掌握好覆蓋技巧也並非易事，得慢慢捉摸。
著色
6-固有色
固有色，就是物體本身所呈現的固有的色彩。對固有色的把握，主要是准確的把握物體的色相。
水粉畫由於固有色在一個物體中佔有的面積最大，所以，對它的研究就顯得十分重要。一般來講，物體呈現固有色最明顯的地方是受光面與背光面之間的中間部分，也就是素描調子中的灰部，我們稱之為半調子或中間色彩。因為在這個范圍內，物體受外部條件色彩的影響較少，它的變化主要是明度變化和色相本身的變化，它的飽和度，也往往最高。
（1 ）起稿開始象畫素描一樣，先用鉛筆定位置和比例，不必用橡皮，以免損壞紙面，影響著色效果。接著用顏色定稿，根據靜物的色調，用赭褐或群青色定稿皆可。色線可略重一點，並可用定稿
之色薄薄地略示明暗，為下一步的著色作鋪墊。造型能力強一些的，也可直接用色線起稿，不示明暗，直接著色。
（2 ）鋪大色調定稿之後，迅速地觀察一下整體色調和大色塊關系，做到胸有成竹，盡快地薄塗。此刻不要考慮形體與筆觸，根據新鮮的色彩印象大膽揮灑，造成畫面的色彩環境。有的人在完成上一遍色後，就急於具體刻劃。應進一步調整大色塊的關系，使色彩之間的關系和總的色調，與實際感覺相吻合。
（3 ）具體塑造在大關系比較正確的基礎上，進一步進行具體塑造，從畫面主體物著手，逐個完成。集中畫一件物體干濕變化易於掌握，也易於塑造其受光與背光不同面的色彩變化。此時眼睛要隨時環掃周圍，從局部入手但不能陷入局部，顧此失彼。要看該物體與背景和春他物體的關系，掌握分寸，細節可留下一步刻劃。這一遍色用色要適當加厚，底色的正確部分可以保留，增加畫面的色彩層次。
（4 ）細節刻劃對瑣碎多餘的細節固然可省略，但對表現物象特徵與質感的重要細節應加強刻劃，畫龍點睛。細節要綜合到整體之中。最後的筆觸最為重要，它將不被覆蓋而顯露給欣賞者。
（5 ）調整、完成畫室外一幅靜物寫生，作為基本練習一般以八小時為宜，力求深刻准確。熟練之後三、四個小時也可以表現得比較充分。作畫時間較長，眼睛容易疲勞，色感容易減弱，具體刻劃又容易忘記整體。在寫生接近完成的時候，恢復一下第一印象，檢查一下畫面：在深入刻劃時是否有些地方破壞了整體，局部和細節的色彩有沒有「跳出」畫面，還有沒有其他毛病。檢查後，調整、修改、加工。錯誤之處，如畫得太厚，要洗掉再畫，直至完成。水粉畫中乾和濕的技法應控制到什麼程度？有哪些應用范圍？水粉畫運用的干濕技法，主要指調色時含水和白粉量的多少。
7-著色方法
水粉畫顏色有較強覆蓋能力，但也不能毫無顧及地隨便亂塗，它有自己一定的著色方法和步驟。

8-干濕技法
干畫法
干畫法：就是說水少粉多的意思，這種畫法多採用擠干筆頭所含水分，調色時不加水或少加水，使顏料成一種膏糊狀，先深後淺，從大面到細部，一遍遍地覆蓋和深入，越畫越充分，並隨著由深到淺的進展，不斷調入更多的白粉來提亮畫面。干畫法運筆比較澀滯，而且呈枯乾狀，但比較具體和結實，便於表現肯定而明確的形體與色彩，如物體凹凸分明處，畫中主體物的亮部及精彩的細節刻畫。這種畫法非常注重落筆，力求觀察准確，下筆肯定，每一筆下去都代表一定的形體與色彩關系。干畫法也有它的缺點，畫面過多的採用此法，加上運用技巧不當，會造成畫面乾枯和呆板。但干畫法的色彩干後變化小，對於練習色彩收效較大，也容易掌握。
濕畫法
水粉畫作品欣賞濕畫法：此法與干畫法相反，用水多，用粉少。它吸收了水彩畫及國畫潑墨的技法，也最能發揮水粉畫運用「水」的好處，用水分稀釋顏料渲染而成。濕畫法也可以利用紙和顏色的透明來求得像水彩那樣的明快與清爽。但它所採用的濕技法比畫水彩要求更高，由於水粉顏料顆粒粗，就要求濕畫時必須看準畫面，濕畫部位一次渲染成功，過多的塗抹或多遍塗抹必然造成畫麵灰而膩。但這種畫法運筆流暢自如，效果滋潤柔和，特別適於畫結構鬆散的物體和虛淡的背景以及物體含糊不清的暗面。如發揮得當，它能表現出一種渾然一體和痛快淋漓的生動韻味。它的色彩藉助水的流動與相互滲透，有時會出現意想不到的效果。為製造這種濕效果，不但顏料要加水稀釋，畫紙也要根據局部和整體的需要用水打濕，以此保證濕的時間和色彩銜接自然。有關濕畫法的控制及實際操作運用，上述畫法步驟中已講得很多，不再一一細述。

⑷ 怎樣畫靜物素描

很多學習畫畫的同學都會經常遇到素描色彩畫不好，也不知道怎麼去畫好素描色彩，接下來小編就就給大家來講講素描畫不好怎麼辦？色彩畫不好怎麼辦？小夥伴們來和小編一起來學習吧！

⑸ 達芬奇的花卉練習是一副什麼作品

達芬奇沒有復花卉靜物主題的油畫、制壁畫作品，他的全部作品都是有人物的，有肖像畫和宗教故事畫，所以如果你看到一幅畫，只有一束花，而且確定這不是某幅作品的局部的話，那它就一定不是達芬奇畫的。 你的圖我看到了，明明是一枝花，是素描，還是局部，是達芬奇自然研究的手稿中的百合，是墨水和粉筆的紙面素描哦。

⑹ 17世紀荷蘭靜物畫和風景畫的發展過程

17世紀的荷蘭畫派尤為重要。雖
然在其他時期也有一些值得提起的畫派和畫家，可是唯
獨在17世紀,荷蘭畫派作為一個整體,才以其巨大的規模
和成就,對整個西方美術的發展,產生過意義深遠的影響。
17世紀為荷蘭繪畫的黃金時代。革命的勝利促使經濟和
文化的欣欣向榮。這個新興國家是當時歐洲先進思想中
心之一。荷蘭畫家們懷著民族自豪感。用寫實手法在作
品中表現祖國的人民生活和自然風景等。繪畫終於擺脫
對宮廷貴族和天主教會的依附，開始為新興的市民階級
服務。隨著繪畫市場和畫商的出現，繪畫成為市場上的
商品。為滿足市民的生活和審美需要，繪畫的品種較之
以往大為擴充。除宗教歷史畫和肖像畫外，風俗、風景、
靜物和動物畫也發展為重要畫種。17世紀荷蘭最重要的
畫家為倫勃朗、F.哈爾斯、J.維米爾及J.van雷斯達爾。
當時，荷蘭多數城市中繪畫藝術均相當發達，其中最發
達的為阿姆斯特丹、哈勒姆和代爾夫特。不過，就諸畫
派來說，地區之間的差異並不像品種之間的差異那樣地
來得明顯。除前述4位畫家以外,屬於不同畫種的還有許
多藝術成就不等的畫家，他們被稱為荷蘭小畫派。
風俗畫 17世紀荷蘭風俗畫不像文藝復興時代畫家
那樣地往往通過宗教題材來反映現實生活，而是直接地
以非理想化的手法來如實地反映市民和農民的日常生活。
這類風俗畫大致包括兩類內容：農民題材和反映市民生
活的所謂時裝題材。前者繼承和發展了16世紀P.勃魯蓋
爾的繪畫傳統。可能是哈爾斯的兩個弟子A.布魯威爾和
A.van奧斯塔德的作品,取材農民生活。布魯威爾的油畫
幅面雖小，但由於注意整體關系和畫面氣氛，因而畫中
形體顯得厚重而朴實。他生前先後活躍於荷蘭和佛蘭德
斯兩地，但主要是佛蘭德斯畫家。奧斯塔德的風俗畫有
類似長處，其畫面情緒比較風趣和樂觀，不像布魯威爾
的油畫那樣地往往帶有悲愴感。
布魯威爾：《醉漢打架》
從事時裝畫的有在萊頓工作的畫家G.道。他在20～
30年代從倫勃朗習畫，後來形成自己的畫風。其作品往
往表現少數幾個人物處身於室內，壁上有一扇窗子，並
有布幔、書本、樂器等道具。這類作品幅面不大，但相
當精緻，並注意光線的表現，為精緻畫派的精品。N.馬
斯於40年代末至阿姆斯特丹受業於倫勃朗門下。他的那
些表現老嫗在祈禱或瞌睡的時裝畫，曾風行一時。G.梅
曲活躍於萊頓和阿姆斯特丹，擅長於描繪中產者安逸而
寧靜的家庭生活。他的室內情景畫在技法上相當細膩精
巧，比較接近於維米爾的作品。G.泰博赫跟同時代其他
許多荷蘭畫家不一樣，曾在許多歐洲國家旅行，識多見
廣，不屬於任何一個地方流派。所繪的那些反映市民階
級上層分子悠閑生活的時裝畫，生前很受買主歡迎。他
尤其擅長於細膩地表現富裕人家婦女衣著的質感。J.斯
滕則兼畫農民題材油畫和時裝油畫，是一位有成就的風
俗畫家。
荷蘭風俗畫家中最傑出的，為代爾夫特的兩位畫家：
維米爾和P.de霍赫。可是，維米爾生前卻不像泰博赫和
梅曲那樣受市民們歡迎，由於賣不出畫而在負債累累之
中死去。他的風俗畫富有生活情趣，並在藝術處理上顯
示出宏大的氣派。霍赫自年起定居代爾夫特，在那
兒完成了他的一些最佳作品。
肖像畫 早在16世紀末，尼德蘭北方諸省就已有其
本身的肖像畫傳統了。北方畫家C.凱特爾和J.van斯科勒
爾在力求擺脫風格主義肖像畫程式的束縛的同時，形成
了比較寫實的畫風。凱特爾及其追隨者們還發展了尼德
蘭早先就有的團體肖像畫傳統。這些畫家乃是17世紀荷
蘭肖像畫藝術的先驅。
哈爾斯：《笑的騎士》
17世紀荷蘭肖像畫最興旺的地區為哈勒姆和阿姆斯
特丹。哈爾斯為17世紀初荷蘭最有名的肖像畫家。他畫
中的人物不再是類型化而是個性化的。其早年作品充滿
樂觀主義精神，尤其能准確而生動地表現人物臉部從微
笑轉化為大笑過程中的剎那間表情。其團體肖像畫刻畫
了因人而異的性格特徵,神態自然,構圖生動，克服了上
一世紀團體肖像畫程式那種畫面過於擁擠、人物表情呆
板的缺點。倫勃朗的肖像畫則往往更深刻地揭示了各式
各樣人物豐富而復雜的內心世界。除繪制肖像畫外，倫
勃朗還精於製作其他體裁的油畫，從而展現了他作為同
時代荷蘭畫家中最傑出的繪畫大師的多方面才能。
倫勃朗：《戴頭盔的人》
風景畫 15～16世紀,風景畫在北歐已有所發展,可
是人們只把它看成是次要畫種。直到17世紀，荷蘭風景
畫家們跟法國風景畫家克洛德·洛蘭等一起，才使風景
畫演變為重要畫種之一。
17世紀最初10年中，荷蘭風景畫仍然明顯地受到16
世紀樣式主義風景畫程式的影響，在構圖方面往往採用
較高的地平線,遠景為幻想出來的山脈,而遠近感則以程
式化的色彩來表達,即前景為褐色,中景為綠色，遠景為
藍色。1612年，兩位風景畫家E.van de費爾德和H.P.塞
赫斯參加了哈勒姆畫家同業公會。他倆發展了荷蘭風景
畫藝術的寫實傾向。例如，費爾德的風景畫在構圖方面
把地平線壓低，並廢棄程式化的用色方法，使整個畫面
顯得透視合理，空間感強，色調富有真實感。費爾德的
弟子霍延，J.J.van 在20年代中畫風酷似其師，後來青
出於藍，形成獨特的風格，在畫中逼真、細膩而流暢地
表現了對光線與空氣的感受。他所留下的幾千幅油畫和
素描真實而動人地記錄了當年荷蘭的運河、港灣以及萊
茵河地區的風景。
雷斯達爾家族的成員們對荷蘭風景畫的發展作出了
重要貢獻。他們中間,J.van雷斯達爾尤其使荷蘭風景畫
發展到了頂峰。他除繼承和發展前輩風景畫家在表達光
線和空氣感方面的成就外，還有意識地強調整個畫面的
結構感。他擅長於畫樹和渲染畫面氣氛。人們形容他的
風景畫為「史詩式」的。他的弟子中以M.霍貝瑪最有名。
費爾德家族中的另一個成員小W.van de費爾德和J.
van de卡佩勒以擅長於繪制海景畫而出名。這類海景畫
對18世紀的英國風景畫產生過較大的影響。
靜物畫與動物畫 早在15世紀，尼德蘭畫家們，如
凡·愛克兄弟等即有善於表現各種物質特性的傳統和興
趣。他們所描繪的金屬、絲絨、玻璃等具有逼真的質感。
可是，這些東西過去只被用作宗教畫或肖像畫中的道具
或背景。直到17世紀，靜物畫才成為重要的繪畫樣式之
一。它在荷蘭的發展，也由於當時荷蘭市民對於來之不
易的安寧富足的小康之家，產生出由衷的喜歡。他們在
生活享受方面追求豐裕的飲食和考究的餐具，此外，還
注意美化生活環境，如種植鬱金香等花木。荷蘭靜物畫
的繁榮，看來正是為了滿足他們的生活要求。哈勒姆畫
家P.克拉斯和W.C.海達所首創的「早餐桌圖畫」，在色
調方面接近於霍延的風景畫，把光線與空氣的感覺表現
得清新而透徹；而在構圖方面，則強調各種餐具、用具
的形式和質感之間的對比，畫中的錫□器皿、瓷器、玻
璃器、布、陶碗、煙斗以及各種食品和野味，均顯得極
為逼真。其他靜物畫家也各有專長,如A.van貝耶倫畫海
水產品，J.韋尼克斯畫獵獲的禽獸，M.洪德庫特畫鳥等。
荷蘭花卉畫家根據水彩寫生來繪制油畫，同一幅花卉油
畫中有時出現屬於不同季節的多種花卉。而在動物畫方
面，則有一批擅長描繪牛、馬、羊之類牲畜的畫家。
宗教、神話與歷史畫 這類油畫在荷蘭雖然不像過
去那樣發達，但17世紀時並未絕跡。烏德勒支畫派便以
繪制義大利式的風格主義宗教畫而出名。此外，倫勃朗、
維米爾等也曾從事於宗教畫創作。

⑺ 求一幅國外花卉靜物油畫的名字和作者

作者：Jan Frans Van Dael
作品名稱：靜物:玻璃瓶中玫瑰 - still life of roses in a glass vase
作品尺寸：37x46.5
作品年代：
作品材質：回油畫 oil on panel
此畫家的作品基本都是答花卉靜物

⑻ 問下這張油畫是誰的 超喜歡的 百度圖片 油畫花奔有他的許多畫

法國畫家亨利·方丹-拉圖爾 望採納

⑼ 有青瓷水罐和花卉的靜物 評價

《有青瓷水罐和花卉的靜物》(荷蘭)德海姆(1606～1654)
(油畫)(現藏英國牛津阿什穆蘭美術館)
自荷蘭人民取得民族獨立以後，繪畫的題材已不僅局限於貴族和教會而延展到市民階層的生活，正如有的學者在著作中所言：「荷蘭繪畫是描繪這個階級本身的面貌的藝術。」在這種條件下，荷蘭的靜物畫應運而生了。畫靜物，同樣賦予著人們的感情與風俗習慣，並且與人物肖像和風俗畫一樣，成為富於象徵意義的觀賞藝術被人們競相購買。德海姆就是這個時期的傑出代表。
他早期作品構圖相對簡單，色彩深而不豐富。他後期的靜物畫發生了一些變化，原先的質朴性被後來的裝飾成分所取代，並且開始接受巴洛克畫風的影響，所畫靜物如水果、金屬盤，酒杯等極富質感，並且色彩華麗，往往偏愛干深色背景前凸現靜物，如這幅《有青瓷水罐和花卉的靜物》就如此。靜物描繪真實而細膩，光感、質感表現恰如其分。尤其是削了皮的檸檬這樣鮮為人關注的細節使觀眾平添了幾許聯想和猜測。也讓我們更多地領悟靜物畫並非無生命的繪畫，它也蘊藉著人的痕跡和氣息，只不過它是處於一種生命相對靜止的狀態中。這一切無不表現出畫家敏銳的生活洞察力、高超的寫實技巧，以及對生活本質的內在領悟力，才使得生活中平凡得隨處可見的器物和細枝末節定格為藝術的永恆。

⑽ 歐式靜物油畫圖片及價格

油畫，是歐洲著名的畫種之一，主要用調和顏料作於木板紙板和畫布上，具有別的畫種所沒有的色澤，能活靈活現的表現事物的張力，因而在歐洲風靡幾個世紀。歐洲因此而誕生看許多優秀的畫家，例如梵高，達芬奇等，他們都是油畫大家，善於描繪景物之美，善於表現人物的神態，十分的傳神，他們所做的油畫都享譽於世，至今魅力不減，吸引著世界各地的收藏愛好者前來觀看。越來越多的人喜歡購置歐洲靜物油畫圖片來裝扮房間，今天小編就給大家介紹歐洲的靜物油畫圖片和價格。

歐洲靜物油畫的發展：歐洲的油畫最初起源於蛋彩畫，十四世紀因為科技和文化的發展，繪畫的材料和技法發生了改變，畫家開始使用處理過的布料進行繪畫，許多人覺得在布料和木板上繪畫更舒適，人們紛紛效仿，顏料的革新，進一步推動了油畫的盛行，到16世紀，歐洲油畫也傳入東方，後根據歷史考察，油畫曾一度出現在16世紀中葉的中國，由此可見油畫在全世界的影響之大。

歐洲靜物油畫圖片介紹：歐洲的油畫創作品種很多，主要是古典，近代和現代這三大類。創作的主體有人物，靜物，風景等，其中最盛行的便是歐洲油畫中的靜物，許多靜物油畫更是被封為油畫的經典之作，許多廠商因此而進行歐洲靜物油畫進行製作，做成圖片，像梵高的著名靜物之作向日葵就是最暢銷的油畫圖片之一!還有較多的，廠商把手繪靜物油畫進行裝裱，然後出售。一副美麗的靜物油畫圖片往往提升房間的靜謐和品格。

歐洲靜物油畫圖片的價格：一般的靜物油畫的價格在在300元左右，這一般是對名畫的臨摹製作，在許多的酒店，賓館多有使用，我們也可以在客廳或者書房使用，這往往會渲染房間的氣氛，是個不錯的選擇。手繪的歐洲油畫價格在500元以上，均價在800元左右，根據成畫的質量來斷定，一般以花卉等靜物的為主要進行創作，還有的是根據消費者進行定製，此等靜物油畫的價格在2000元以上。

以上就是小編為大家介紹歐洲靜物油畫圖片和價格，油畫是歐洲繪畫的代表畫種，聞名世界，從十六世紀開始風靡幾個世紀，誕生了不少的繪畫大家!他們遺留了不少的傳世之作，人們熱愛名畫，因此進行臨摹製作，經常懸掛在房間內。靜物油畫圖片的價格在300元左右，精美手繪的靜物油畫的價格在800元左右，專屬定製的油畫圖片比較費時費力，因此價格較高，在3000元左右，但這也絲毫不影響人們的熱情和購買力，您也可以根據自己的喜好定製專屬的歐洲油畫靜物圖片。