王雪濤牡丹畫法

㈠ 王雪濤風格牡丹畫法祥解（連載二）

      第一章    牡丹花苞的畫法（一）

      寫意作為中國畫特殊的表現手法，源於生活而高於生活，用它自己的語言訴說著畫家對生活的感受、對生活的理解，借物抒情，是畫也是詩。

    寫意牡丹花苞不是對自然物像的簡單描摹，是經過提煉概括，誇張變形等手法創作出來的藝術形象，所以有它自己的表現規律。對國畫作品而言，先別問像不像，最重要的是好不好，不遷於物乃境界也！

      這是真實牡丹花苞的照片

      這是大師王雪濤先生的牡丹花苞，明顯看出兩者是不一樣的。畫家王雪濤對牡丹物像的描繪也不是憑空捏造的，也是來源於生活，他常常到牡丹園去寫生或觀察回來默寫，但都不是照葫蘆畫瓢，有提煉有概括有誇張有變形，比自然物像更活潑更有生命力。

    學習畫王雪濤風格牡丹，用的毛筆不是畫界畫牡丹花常用的大提斗筆，而是一般的大 羊豪或兼豪毛筆，我想王老用小筆畫大花不是沒有道理的。他的牡丹用一兩種顏色表現出特別豐富的色彩就和工具有關。

      所以，我們在學習他的畫法時也如法炮製，用一般的大羊豪或兼豪，初學最好用兼豪，兼豪吸水量適中便於掌握。

    平時練慣用顏料不要太多，會一種就能舉一反三，一通百通。

    下面的練慣用的顏料，花苞用暑紅、胭脂，白粉；畫托用墨、赭石（或蕉茶）藤黃、花青，三綠。

     

    第一步：用大羊豪筆蘸白粉和暑紅，先畫出花苞的基本輪廓，不拘泥幾筆，要圓中帶方，取勢取形，含水量要適中，寧干勿濕。

 

    第二步：筆尖蘸暑紅畫畫苞內部，還是不拘小節，要大關系，有里外的區分即可。不要特別用心找花瓣，象徵性的點到為止。

    第三步：蘸胭脂畫更深部分，注意虛實變化，強調結構關系，用筆不要累同。

      第四步：用淡綠加赭石濕筆隨意點三兩點為花托，看似漫不經心，實則有大小聚散等變化。整理花苞，或用暑紅，或用胭脂，或用白粉，該實得實，該虛得虛。

   

      第五步：調整完後，蘸赭石加墨或加胭脂畫托外面的小葉，完工。

      總結：首先要圓中帶方，用筆要強調重點，始終不忘大關系大結構。二不要把瓣分得一清二楚，瓣與瓣的界限不要太實，否則就容易犯板結的毛病。三是用粉不能太薄也不能太厚，太薄則飄太厚則膩，這是學王雪濤牡丹的難點。最後效果，既要活潑生動有要厚實穩重。

    最後是筆者畫的牡丹花苞練習，拋磚引玉共同學習。

   

㈡ 近代著名畫家 王雪濤作品真跡圖賞

王雪濤，現代著名小寫意花鳥畫家，對我國小寫意花鳥繪畫做出了突出貢獻。

他繼承宋、元以來的優秀傳統，取長補短，創作上主張「師法造化而抒己之情，物我一體，學先人為我所用，不斷創新」。畫法上工寫結合，虛實結合。

他的花鳥蟲魚，刻畫細致入微，鮮活多姿，生動可愛，情趣盎然，擺脫了明清花鳥畫的僵化程式，創造了清新靈妙，雅俗共賞的鮮明風格。

其作品涉及牡丹、荷花蜻蜓、月季、清供圖、梅竹雙綬、遲園秋景、鴝鵒紫藤、蘭花八哥圖、花卉、玉簪花、菖蒲蜻蜓、玉蘭蝴蝶、竹枝螳螂、東風濃艷、荷塘蜻蜓等題材，皆是精品。

王雪濤的創作，豐富了我國現代花鳥畫的寶庫，至今無人出其右。圖文數據來源：榮寶齋。

㈢ 王雪濤風格牡丹畫法詳解（三）

牡丹花苞的畫法（二）

    王雪濤風格牡丹畫法，更注重寫意性、整體性，而不被現實牡丹所束縛，對一瓣一瓣等小的細節不精雕細刻，只是用色彩的變化來表現整個花苞的神態和風韻。其效果則多姿多彩，氣象萬千。

      畫法概括的說也就是，大膽下筆，細心收拾。

    看圖：

      這是開始幾筆，是不是不怎麼樣？但大的結構關系有了，一個圓漲了兩個翅膀，一大一小。看神態還行，勢也說得過去。

      下面是細心收拾的過程

      用暑紅畫深色區域，還是注意大關系，沒有特意去找瓣，也就是一般人們常說的切瓣，用筆也不是筆尖老對著花苞的根部，靈活隨意。隨意是寫意畫追求的東西，平常說的手要松，意要到，此之謂也！

              用更深一點的顏色胭脂深入，一是強調結構關系。二是豐富色彩變化，每個地方都不是一個顏色，有深有淺，忌平忌板。要有一定的厚度， 這是王雪濤牡丹與眾不同 之所在。最後用白粉提亮，該弱化的弱化，該強化的強化，該實的實該虛的虛。

        最後再上幾個練習

第一組

   

第二組

       

       

          第三組

   

第四組

      看到了吧，開始都不是很好，最後效果還行吧？結論：大膽下筆，細心收拾！

      預知後事如何，且聽下回分解！！

㈣ 寫意花鳥畫大師王雪濤的繪畫理論和繪畫技法是什麼

基本功的鍛煉要扎實，花鳥畫是以描繪花卉、禽鳥來表現自然界的生命力，體現欣欣向榮的生氣，從而給人以健康的藝術感染。它描繪的對象是大自然，因此培養對自然界的生命力，訓練觀察力的敏銳是主要的。不少前人也是這樣作的。傳說一位畫家，為了體驗草蟲的形態，經常趴在草叢中觀察，以至露水打濕了衣裳，可見觀察之認真。我小時生活在農村，對自然界中的一情一景十分偏好，幼時養成的觀察和寫生習慣，對我一直影響很大。要認真地了解物象的結構、特點、習性和生活規律。畫時才能作到心手相應。特別應當提到的是，有些人對所謂「寫意花鳥畫」有一定的誤解，以為「寫意」者，不必求其形似，只圖練習筆墨，這是把對現實的觀察、提煉、概括與不必研究對象的生活習性和結構特點混為一談，其結果便是把生動、多樣、變化豐富的大自然，不是畫得千篇一律，就是非驢非馬。有些畫出自不注意觀察人的手筆，是一眼可以看出的，這是畫不好畫的。花鳥畫的源泉是生動的大自然，而不是他人的筆墨，提煉與概括也要源於對自然的觀察。因此對自然界的觀察是訓練心眼的基本功。

不注意對物寫生，把握不住對象形體的特徵，就失去了藝術再現的能力。寫生不是畫蟲鳥標本，不但要能准確刻劃形象，而且特別要強調概括能力和捕捉對象瞬間的動態，我對自己的速寫總是以這樣來要求。手眼的敏捷是速寫要解決的問題，畫面的生動，離不開速寫的鍛煉。

默寫比速寫更重要，我講的默寫，實際是默記。憑眼睛看，用腦子記。速寫再快，也常局限於一時一物，而認真觀察後印在腦子里的形象，則更為完整、生動，待到運用時自然發於筆端。我的老師王夢白是近代畫家中十分注意寫生的，其主要方法是默寫。他喜歡看描寫動物的影片，有一次一起看電影，見到猴子結成一串下來喝水，他很激動，不斷捏我的手，讓我注意觀察。他的猴子畫得很好，抓得住神氣，有生活氣氛。今天的美術發展，已遠非過去的任何時代所能比擬，不少青年繪畫者得到過造型能力以及色彩、速寫等方面的鍛煉；如果把速寫的技巧與默寫、默記結合起來，對於對象的特徵和生活環境的掌握就會更深入一步。默寫的能力提高了，也有助於速寫時捕捉對象的瞬間動態。默寫的好處很大，也更難。

臨摹是重要的，早在六朝的謝赫就列為「六法」之一而得到重視。但寫意畫的臨摹卻為不少青年朋友所忽視。他們學畫，也並非全然不臨，但重視的多為畫法問題，卻未認真研究作品的精神氣質。臨摹主要是要理解畫理，既可忠實於原作，也可改動它的缺點。林良的《雙雁》，用筆洗練，章法飽滿而完整，對之令人感到增一分減一筆都是不適宜的。我在臨摹時，自然而然的要求以努力忠於原作的畫法去體會畫家的用心。相反的例子，如王一清的《雙鷹》，也畫得很好，只是兩個鷹的頭分向兩側而分散了畫面，當我臨畫時，筆筆對臨，但卻把一個鷹的頭部扭轉過來，這樣改動看來可使畫面更為集中。臨摹要解決的問題必須明確，收獲也就更多。

筆墨技巧要因其自然，筆墨是為表現對象服務的，要自然形成。明朝人講筆墨，講用中鋒的多，但其效果，正如黃賓虹所說，比較孤禿，行筆短促，顯得太干澀。畫畫時，什麼筆鋒都可通用，只要較好的表現對象即可，日久天長，自己的筆墨風格也就會自然形成；切記在畫畫的初始階段就一味追求筆墨。而放鬆對自然對象的生動表現。筆墨掌握的難易順序是筆、墨、水。其實，水分淋漓的畫法是較易表現的，而乾枯見筆處才真正需要功力。筆墨表現，對繪畫意境有很大影響。徐渭的畫有好的一面，但也並不十分高超。他善於以膠調墨作畫，如《河蟹圖》，任伯年也用這種方法。用膠的方法比掌握水容易，效果比較潤澤，缺點是墨色單調。以王夢白的《石榴》和徐渭的《石榴》相比，則前者是形神兼備，一點雕琢氣沒有，達到出神入化的境地，可見筆墨表現的重要。

探究中國畫色彩運用的特點 不大了解的人常以為中國畫筆墨可取，而色彩則不講究，其實不盡然。中國畫的色彩是有傳統、有特點的。數千年前的彩陶藝術，至今能給人以美的感受，不僅因為圖案和器形的完美結合，也因為繪制流暢線條的黑紅色與陶器燒制後的表面色彩相協調，形成了色彩、圖案與器形的統一。其後，從戰國、秦漢的漆器，漢代的壁畫可以看出，美術創作中色彩的民族特點已經形成。謝赫總結的「隨類賦彩」說明千餘年前色彩問題已經提高到理論問題而加以重視了。

不強調特定時間和環境下的視覺感受，採用高度概括的藝術加工方法來表現，是中國繪畫色彩運用的特點。表現的方法，一是墨與色相結合，或以墨代色；一是表現對象固有色為主。墨畫是色彩表現上的精練概括，所謂墨分五色，運用得好，很多時候可以起到使用色彩也達不到的藝術效果。不少黑白照片的表現力很強，可以使顏色准確的色彩照片相形見絀。也沒有人認為卓別林的影片因為無聲而成為缺憾。在這里，黑白與無聲成為藝術感染力的手段。以墨來概括自然界的色彩就是中國畫色彩表現一大特點。同樣，墨與色結合使用，時常也可以得到豐富的表現力和更好地表現特定的情感。以色助墨、以墨顯色，一向為人所重視。

齊白石以濃墨畫白菜，旁邊並列二個帶有黑蒂的深紅小辣椒，色彩感覺十分鮮明。他畫的黑白蠟台，插上紅色蠟燭有著同樣的效果。紅黑二色產生的藝術感染力，古代人就很熟悉，如中國的漆器、希臘的瓶畫。它有鮮明的對比，而又莊重飽滿。我自己也有一些感受。牡丹是人所喜愛的一個花卉品種，唐代人賞牡丹成了長安、洛陽的一大風尚。歷來文人、畫工以此為題寫詩作畫的很多。然而封建文人是把它作為富貴象徵來描繪的，今日人民對它的愛好、感受全然不同。我曾試以墨色描畫枝葉，襯托紅色花頭，突破了紅花一定要綠葉來扶的格式，除卻了柔媚富貴之氣。用色雖然減少，但整體效果突出而莊重；運用得好，色彩感覺未必是單調的，同時也更能在枝葉上發揮筆墨效果。

中國畫的色彩表現與西洋畫全然不同，雖說誰都了解中國畫以表現對象固有色為主，問題就在於如何巧妙利用自然對象的固有色來豐富畫面。西洋畫中總結的色彩規律對了解這一點是有幫助的。白色的玉簪上落上一個瓢蟲，活躍了過於淡雅的色調，對比之下也更增添了花的晶瑩。生就有著兩種顏色的螳螂，在一幅畫上為赭黃色可能更諧調；另一幅中，畫成石綠色，則在對比之下可能更突出。色彩的巧妙運用可以為畫面增添音樂感和韻律。我畫過一幅「鳶尾」，其上補什麼飛蟲頗費不少腦筋，主要從色彩上考慮，添加了飛蛾才覺比較滿意。整幅畫是所謂偏冷一些的溫色調，比較明快、淡雅，同時又不過分的使用了對比，造成統一而悅目的效果。整體色調是由畫在泥金底上的草綠和青紫的花形成的，而花頭與飛蟲的紅翅造成對比。同時青紫、灰紅、黃綠三種色調又能協調為一體，色彩感覺就豐富些。藉助外國的色彩經驗，用來豐富以表現固有色為主的傳統技法，我看很值得鑽研。

引人生情的意境創造，從總的方面講，中國繪畫傳統是注重寫意的，如同京劇藝術一樣。不拘於機械的再現對象，更要把握對象的精神氣質，著意於創造意境以感染觀者。清末廣東居窠，居廉的草蟲有寫生功夫，但缺少內在的精神，形同標本，也就失卻了感人的意境。

中國畫講畫理、畫情、畫趣。一幅畫的內容是好的，但總要有情趣才能打動人心。要畫得引人生情，善於體現自然界中不大為人注意，或者是可能會發生的一種機趣，從而給人一種意想不到的感受和回味想像的餘地。雛雞爭食是生物的自然現象，而在齊白石筆下的「他日相呼」則傾注著人類的情感，和使人聯想無窮的意境。一支咬破了草籠爬於其外的紡織娘，有時不是比藏在瓜藤中的更多一番情趣嗎？

誇張的手法在花鳥畫中使用最多。鳥類由於眼睛的視角廣闊和體態的靈活，一般眼球的轉動是很少的。但八大山人的鳥，眼睛是會說話的，這在他生活的時代，或可說是代他自己在說話吧。我畫過的許多鳥，眼眶往往大於真實，眼球也隨視線而轉動，在與前者不同的意境中，則體現了生機，在情感上具有了一種擬人的味道。有些人很重視誇張，但卻作得過分，看上去不舒服，這在於沒有了解到，誇張是要根據意境創作出發，仍是藉助於形態而傳神的，誇張與漫畫不可等同。

刻意表現自然界的生機勃勃，抓取生活中的瞬間來表現動勢，是意境創作的重要因素。飛鳥固然有著千姿百態，但欲飛將落的瞬間，可能會使人想到一種聞聲索侶或覓食才歸的意趣。寓動於靜則是含蓄表現動勢的另一種方式。踞伏草中的雛雞動態很小，但在空靈數筆的脖頸上和轉折有力富有彈性的背部曲線上，蘊藏著力量，不難使人想像，在它靈活的軀體上可能預示著的動勢。總之，感人的意境是要作者傾注感情去探索的。

章法布局歸於立意 布局結構決定整幅作品的基本形式。古人強調意在筆先，立意就是總綱，其基本思想就是用什麼去打動人心。立意飽滿方可氣脈一貫，即使面對小幅紙，也要站著畫才能縱觀全局。由於中國畫工具紙張和創作上的特點，不能要求有百般推敲而成的草圖。在經營構圖時，有自己的獨到之處。我初次見到有人剪貼的辦法設計構圖時，真使我驚訝不已，談何意境呢？花鳥畫要求畫前有腹稿，但它只能確定大致面貌，重要的在於落筆後能隨機應變。石濤講「一畫」，在畫法上，這初始的「一畫」決定風貌，筆筆相隨，才能貫通一氣，這或可稱之為「始於一」。這樣的畫氣脈流暢、結構完整。不可不顧落筆後的實際情況而堅持原有的構圖設想，以致使畫面零亂，這是不同於西畫的重要特點之一。

中國繪畫注重線條，構圖中以線型的安排為主，大致可有主、輔、破線三種類型。主線是確定型式的主導，輔線加強主線的氣勢，而破線一方面打破單調的布局，同時又以對比的方式再次突出主線。草蟲雖小，在花鳥畫中卻並非是點綴，體態短小的一隻蟬，有時可以視為一塊必要的墨色；而生性敏捷的螳螂，在構圖中往往是作為有折曲的線型來對待的，連那長長的觸須，是低是揚，也要安排得當，細心的人仔細琢磨是不難領會的，至於疏密、聚散、動靜、虛實等等，只起豐富主體的效果。金農的梅花有功力。但過於散漫一片，章法上是失敗的。規律要注意總結，但不可為法使。只需刻意於畫的中心，古人稱之為氣的結點，筆筆都要考慮這個中心，章法自然奇拔。