花卉油画静物

⑴ 求古典油画大师的作品 高清图（最好是静物花卉类的）！

自己去找找：

世界经典名画(1) 放大版 60张
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世界经典名画(2) 放大版 60张
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世界经典名画(3) 放大版 60张
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世界经典名画(4) 放大版 10张
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梵高绘画作品 放大版 40张
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抽象派绘画 放大版 20张
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毕加索绘画作品 放大版 21张
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伦敦国家画廊绘画精选(1) 放大版 40张
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伦敦国家画廊绘画精选(2) 放大版 40张
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伦敦国家画廊绘画精选(3) 放大版 40张
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伦敦国家画廊绘画精选(4) 放大版 40张
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伦敦国家画廊绘画精选(5) 放大版 40张
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伦敦国家画廊绘画精选(6) 放大版 40张
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伦敦国家画廊绘画精选(7) 放大版 40张
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伦敦国家画廊绘画精选(8) 放大版 40张
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伦敦国家画廊绘画精选(9) 放大版 40张
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伦敦国家画廊绘画精选(10) 放大版 40张
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另一个版本非全古典：

《风光油画_波涛拍岸》 放大版19张
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《航海题材绘画合辑》 放大版85张
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《欧美油画精选（二）》 放大版57张
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《欧美油画精选（一）》 放大版69张
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《油画 敦煌飞天之舞》 放大版42张
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《欧洲风景油画精选》 放大版52张
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⑵ 我要写油画静物花卉方面的论文，能不能给我想个题目

油画花卉与真实花卉的交融美

⑶ 各种花卉,,花朵的色彩,水粉画法

画出优秀的水粉画及花卉要注意一下几点：
1-调色
写生时调配色彩，是建立在正确观察和理解对象的色彩关系的基础上。调配颜色不能孤立的看一块，调一块，画一块。而要考虑整个的色调和色彩关系，从整体中去决定每一块颜色。水粉画写生色彩不易衔接，也应该在明确色彩的大关系的基础上，把几个大色块的颜色加以试调，准备好再往上画。切忌脱离整体，看一块，调一块，画一块，接着又调一块改一块。水粉画颜色湿时深，干后浅，干湿变化明显。水粉画经典《天河白马》如果调色时使用粉(白色)多，或已经画了较厚的色层，再着色作画，又使用的是吸水性强的纸，颜料的干湿变化就更显著。这使水粉画调色不容易做出正确的估计。造成色彩衔接、覆盖和修改上的困难。这是水粉画的一个明显特色和难点。初学时要特别注意这个问题。所以入手时要先画重颜色。一般来说，趁画面湿时，颜色湿与湿比，一口气画完，色彩关系易于掌握。如果在一色已干的情况下再衔接、覆盖颜色，就要注意颜色的干湿变化。
2-水的使用
水的使用在水粉画中虽然不及水彩画中那样重要，但也是不可忽视的。水主要是起稀释、媒介的作用。调水粉画作品欣赏色、用笔和色层薄变化，都与水的使用，有密切关系。《水粉画》(高等教育出版社)一般来说，适当地用水可以使画面有流畅、滋润、浑厚的效果。过多的用水则会减少色度，引起水渍、污点和水色淤积。而用水不足又会使颜色干枯、粘厚，难于用笔。通常用水以能流畅地用笔、盖住底色，为宜。在画暗处、虚处和远处，一般可适当地多用水，以增强其虚远和透明感。从作画步骤来说。在铺大调子时水要用的多些，使色层较薄，便于再往上着色。在作画过程中，水太脏了要及时换。尤其是画色彩鲜明的部位，调色用水要洁净。
3-用笔
由于各种类型的笔都可以用来作水粉画，因此水粉画的用笔技巧是异常丰富的。并且是在借鉴油画。国画和水彩画笔法的过程中，不断加以发展的。水粉画中常见的笔法。
“平笔法”——笔迹隐蔽。画面色层平整；
“散除法”——笔迹显露，但色层厚薄变化不显著；
“厚除法”——色层错综重叠，用色较厚、厚薄相间；
“点彩法”——利用光色的空间、初觉混合原理，用密集的小笔触（色点）塑造形象。（这种笔法用得较少，较难掌握，初学时不宜过早效仿）

4-衔接
水粉画由于颜色干得较快、干湿变化显著，又加之用水，颜色会在画面上流动，渗化和容易产生水渍，因此熟练地掌握好衔接技巧，对于画好水粉画关系很大。水粉画的衔接主要可以分为湿接、干接和压接这三种方法。
所谓湿接，是邻接的色块趁前一块色尚未干时接上第二、三块颜色。或是两块相邻的颜色碰接上。或是一块颜色中趁湿点入其它颜色，让其渗化。再或在笔头的不同部位分别蘸上几种不同的颜色，画到纸上时利用笔肚的水分，让其自然化接。
所谓干接，就是邻接的色块在前一块颜色已经干了的时候，再接上第二、三块颜色。
所谓压接，就是相邻的色块（形体的转折或不同的物物体），前一块色画得稍大于应有的形，第二、三个色块成一种节奏感。要防止缺乏整体处理意图的凌乱用笔。接上去时，是压放在前一块色上，压出前一块色应有的形。进行压接时，要注意颜色（压接上去的颜色）的盖色力和粘着性，一般来说压上去的这块色要比已画的色块稍厚一些。
5-覆盖
所谓覆盖，就是在已画的色层上再画上一层或数层颜色。覆盖的主要作用可以概括为两点：一是使画面色层水粉画作品欣赏重叠，厚薄有变化，是塑造形象的一种技法；二是一种修改方法。水粉画颜色的盖色力是比较强的，但又各有差异，加上作画时调用清水，覆盖时掌握不好就容易使底色（被覆盖的色层）泛起，产生水渍，造成色彩污浊。有时又故意用很薄的颜色覆盖，让底层色透露出来。这些具体效果都不容易估计，所以要掌握好覆盖技巧也并非易事，得慢慢捉摸。
着色
6-固有色
固有色，就是物体本身所呈现的固有的色彩。对固有色的把握，主要是准确的把握物体的色相。
水粉画由于固有色在一个物体中占有的面积最大，所以，对它的研究就显得十分重要。一般来讲，物体呈现固有色最明显的地方是受光面与背光面之间的中间部分，也就是素描调子中的灰部，我们称之为半调子或中间色彩。因为在这个范围内，物体受外部条件色彩的影响较少，它的变化主要是明度变化和色相本身的变化，它的饱和度，也往往最高。
（1 ）起稿开始象画素描一样，先用铅笔定位置和比例，不必用橡皮，以免损坏纸面，影响着色效果。接着用颜色定稿，根据静物的色调，用赭褐或群青色定稿皆可。色线可略重一点，并可用定稿
之色薄薄地略示明暗，为下一步的着色作铺垫。造型能力强一些的，也可直接用色线起稿，不示明暗，直接着色。
（2 ）铺大色调定稿之后，迅速地观察一下整体色调和大色块关系，做到胸有成竹，尽快地薄涂。此刻不要考虑形体与笔触，根据新鲜的色彩印象大胆挥洒，造成画面的色彩环境。有的人在完成上一遍色后，就急于具体刻划。应进一步调整大色块的关系，使色彩之间的关系和总的色调，与实际感觉相吻合。
（3 ）具体塑造在大关系比较正确的基础上，进一步进行具体塑造，从画面主体物着手，逐个完成。集中画一件物体干湿变化易于掌握，也易于塑造其受光与背光不同面的色彩变化。此时眼睛要随时环扫周围，从局部入手但不能陷入局部，顾此失彼。要看该物体与背景和春他物体的关系，掌握分寸，细节可留下一步刻划。这一遍色用色要适当加厚，底色的正确部分可以保留，增加画面的色彩层次。
（4 ）细节刻划对琐碎多余的细节固然可省略，但对表现物象特征与质感的重要细节应加强刻划，画龙点睛。细节要综合到整体之中。最后的笔触最为重要，它将不被覆盖而显露给欣赏者。
（5 ）调整、完成画室外一幅静物写生，作为基本练习一般以八小时为宜，力求深刻准确。熟练之后三、四个小时也可以表现得比较充分。作画时间较长，眼睛容易疲劳，色感容易减弱，具体刻划又容易忘记整体。在写生接近完成的时候，恢复一下第一印象，检查一下画面：在深入刻划时是否有些地方破坏了整体，局部和细节的色彩有没有“跳出”画面，还有没有其他毛病。检查后，调整、修改、加工。错误之处，如画得太厚，要洗掉再画，直至完成。水粉画中干和湿的技法应控制到什么程度？有哪些应用范围？水粉画运用的干湿技法，主要指调色时含水和白粉量的多少。
7-着色方法
水粉画颜色有较强覆盖能力，但也不能毫无顾及地随便乱涂，它有自己一定的着色方法和步骤。

8-干湿技法
干画法
干画法：就是说水少粉多的意思，这种画法多采用挤干笔头所含水分，调色时不加水或少加水，使颜料成一种膏糊状，先深后浅，从大面到细部，一遍遍地覆盖和深入，越画越充分，并随着由深到浅的进展，不断调入更多的白粉来提亮画面。干画法运笔比较涩滞，而且呈枯干状，但比较具体和结实，便于表现肯定而明确的形体与色彩，如物体凹凸分明处，画中主体物的亮部及精彩的细节刻画。这种画法非常注重落笔，力求观察准确，下笔肯定，每一笔下去都代表一定的形体与色彩关系。干画法也有它的缺点，画面过多的采用此法，加上运用技巧不当，会造成画面干枯和呆板。但干画法的色彩干后变化小，对于练习色彩收效较大，也容易掌握。
湿画法
水粉画作品欣赏湿画法：此法与干画法相反，用水多，用粉少。它吸收了水彩画及国画泼墨的技法，也最能发挥水粉画运用“水”的好处，用水分稀释颜料渲染而成。湿画法也可以利用纸和颜色的透明来求得像水彩那样的明快与清爽。但它所采用的湿技法比画水彩要求更高，由于水粉颜料颗粒粗，就要求湿画时必须看准画面，湿画部位一次渲染成功，过多的涂抹或多遍涂抹必然造成画面灰而腻。但这种画法运笔流畅自如，效果滋润柔和，特别适于画结构松散的物体和虚淡的背景以及物体含糊不清的暗面。如发挥得当，它能表现出一种浑然一体和痛快淋漓的生动韵味。它的色彩借助水的流动与相互渗透，有时会出现意想不到的效果。为制造这种湿效果，不但颜料要加水稀释，画纸也要根据局部和整体的需要用水打湿，以此保证湿的时间和色彩衔接自然。有关湿画法的控制及实际操作运用，上述画法步骤中已讲得很多，不再一一细述。

⑷ 怎样画静物素描

很多学习画画的同学都会经常遇到素描色彩画不好，也不知道怎么去画好素描色彩，接下来小编就就给大家来讲讲素描画不好怎么办？色彩画不好怎么办？小伙伴们来和小编一起来学习吧！

⑸ 达芬奇的花卉练习是一副什么作品

达芬奇没有复花卉静物主题的油画、制壁画作品，他的全部作品都是有人物的，有肖像画和宗教故事画，所以如果你看到一幅画，只有一束花，而且确定这不是某幅作品的局部的话，那它就一定不是达芬奇画的。 你的图我看到了，明明是一枝花，是素描，还是局部，是达芬奇自然研究的手稿中的百合，是墨水和粉笔的纸面素描哦。

⑹ 17世纪荷兰静物画和风景画的发展过程

17世纪的荷兰画派尤为重要。虽
然在其他时期也有一些值得提起的画派和画家，可是唯
独在17世纪,荷兰画派作为一个整体,才以其巨大的规模
和成就,对整个西方美术的发展,产生过意义深远的影响。
17世纪为荷兰绘画的黄金时代。革命的胜利促使经济和
文化的欣欣向荣。这个新兴国家是当时欧洲先进思想中
心之一。荷兰画家们怀着民族自豪感。用写实手法在作
品中表现祖国的人民生活和自然风景等。绘画终于摆脱
对宫廷贵族和天主教会的依附，开始为新兴的市民阶级
服务。随着绘画市场和画商的出现，绘画成为市场上的
商品。为满足市民的生活和审美需要，绘画的品种较之
以往大为扩充。除宗教历史画和肖像画外，风俗、风景、
静物和动物画也发展为重要画种。17世纪荷兰最重要的
画家为伦勃朗、F.哈尔斯、J.维米尔及J.van雷斯达尔。
当时，荷兰多数城市中绘画艺术均相当发达，其中最发
达的为阿姆斯特丹、哈勒姆和代尔夫特。不过，就诸画
派来说，地区之间的差异并不像品种之间的差异那样地
来得明显。除前述4位画家以外,属于不同画种的还有许
多艺术成就不等的画家，他们被称为荷兰小画派。
风俗画 17世纪荷兰风俗画不像文艺复兴时代画家
那样地往往通过宗教题材来反映现实生活，而是直接地
以非理想化的手法来如实地反映市民和农民的日常生活。
这类风俗画大致包括两类内容：农民题材和反映市民生
活的所谓时装题材。前者继承和发展了16世纪P.勃鲁盖
尔的绘画传统。可能是哈尔斯的两个弟子A.布鲁威尔和
A.van奥斯塔德的作品,取材农民生活。布鲁威尔的油画
幅面虽小，但由于注意整体关系和画面气氛，因而画中
形体显得厚重而朴实。他生前先后活跃于荷兰和佛兰德
斯两地，但主要是佛兰德斯画家。奥斯塔德的风俗画有
类似长处，其画面情绪比较风趣和乐观，不像布鲁威尔
的油画那样地往往带有悲怆感。
布鲁威尔：《醉汉打架》
从事时装画的有在莱顿工作的画家G.道。他在20～
30年代从伦勃朗习画，后来形成自己的画风。其作品往
往表现少数几个人物处身于室内，壁上有一扇窗子，并
有布幔、书本、乐器等道具。这类作品幅面不大，但相
当精致，并注意光线的表现，为精致画派的精品。N.马
斯于40年代末至阿姆斯特丹受业于伦勃朗门下。他的那
些表现老妪在祈祷或瞌睡的时装画，曾风行一时。G.梅
曲活跃于莱顿和阿姆斯特丹，擅长于描绘中产者安逸而
宁静的家庭生活。他的室内情景画在技法上相当细腻精
巧，比较接近于维米尔的作品。G.泰博赫跟同时代其他
许多荷兰画家不一样，曾在许多欧洲国家旅行，识多见
广，不属于任何一个地方流派。所绘的那些反映市民阶
级上层分子悠闲生活的时装画，生前很受买主欢迎。他
尤其擅长于细腻地表现富裕人家妇女衣着的质感。J.斯
滕则兼画农民题材油画和时装油画，是一位有成就的风
俗画家。
荷兰风俗画家中最杰出的，为代尔夫特的两位画家：
维米尔和P.de霍赫。可是，维米尔生前却不像泰博赫和
梅曲那样受市民们欢迎，由于卖不出画而在负债累累之
中死去。他的风俗画富有生活情趣，并在艺术处理上显
示出宏大的气派。霍赫自年起定居代尔夫特，在那
儿完成了他的一些最佳作品。
肖像画 早在16世纪末，尼德兰北方诸省就已有其
本身的肖像画传统了。北方画家C.凯特尔和J.van斯科勒
尔在力求摆脱风格主义肖像画程式的束缚的同时，形成
了比较写实的画风。凯特尔及其追随者们还发展了尼德
兰早先就有的团体肖像画传统。这些画家乃是17世纪荷
兰肖像画艺术的先驱。
哈尔斯：《笑的骑士》
17世纪荷兰肖像画最兴旺的地区为哈勒姆和阿姆斯
特丹。哈尔斯为17世纪初荷兰最有名的肖像画家。他画
中的人物不再是类型化而是个性化的。其早年作品充满
乐观主义精神，尤其能准确而生动地表现人物脸部从微
笑转化为大笑过程中的刹那间表情。其团体肖像画刻画
了因人而异的性格特征,神态自然,构图生动，克服了上
一世纪团体肖像画程式那种画面过于拥挤、人物表情呆
板的缺点。伦勃朗的肖像画则往往更深刻地揭示了各式
各样人物丰富而复杂的内心世界。除绘制肖像画外，伦
勃朗还精于制作其他体裁的油画，从而展现了他作为同
时代荷兰画家中最杰出的绘画大师的多方面才能。
伦勃朗：《戴头盔的人》
风景画 15～16世纪,风景画在北欧已有所发展,可
是人们只把它看成是次要画种。直到17世纪，荷兰风景
画家们跟法国风景画家克洛德·洛兰等一起，才使风景
画演变为重要画种之一。
17世纪最初10年中，荷兰风景画仍然明显地受到16
世纪样式主义风景画程式的影响，在构图方面往往采用
较高的地平线,远景为幻想出来的山脉,而远近感则以程
式化的色彩来表达,即前景为褐色,中景为绿色，远景为
蓝色。1612年，两位风景画家E.van de费尔德和H.P.塞
赫斯参加了哈勒姆画家同业公会。他俩发展了荷兰风景
画艺术的写实倾向。例如，费尔德的风景画在构图方面
把地平线压低，并废弃程式化的用色方法，使整个画面
显得透视合理，空间感强，色调富有真实感。费尔德的
弟子霍延，J.J.van 在20年代中画风酷似其师，后来青
出于蓝，形成独特的风格，在画中逼真、细腻而流畅地
表现了对光线与空气的感受。他所留下的几千幅油画和
素描真实而动人地记录了当年荷兰的运河、港湾以及莱
茵河地区的风景。
雷斯达尔家族的成员们对荷兰风景画的发展作出了
重要贡献。他们中间,J.van雷斯达尔尤其使荷兰风景画
发展到了顶峰。他除继承和发展前辈风景画家在表达光
线和空气感方面的成就外，还有意识地强调整个画面的
结构感。他擅长于画树和渲染画面气氛。人们形容他的
风景画为“史诗式”的。他的弟子中以M.霍贝玛最有名。
费尔德家族中的另一个成员小W.van de费尔德和J.
van de卡佩勒以擅长于绘制海景画而出名。这类海景画
对18世纪的英国风景画产生过较大的影响。
静物画与动物画 早在15世纪，尼德兰画家们，如
凡·爱克兄弟等即有善于表现各种物质特性的传统和兴
趣。他们所描绘的金属、丝绒、玻璃等具有逼真的质感。
可是，这些东西过去只被用作宗教画或肖像画中的道具
或背景。直到17世纪，静物画才成为重要的绘画样式之
一。它在荷兰的发展，也由于当时荷兰市民对于来之不
易的安宁富足的小康之家，产生出由衷的喜欢。他们在
生活享受方面追求丰裕的饮食和考究的餐具，此外，还
注意美化生活环境，如种植郁金香等花木。荷兰静物画
的繁荣，看来正是为了满足他们的生活要求。哈勒姆画
家P.克拉斯和W.C.海达所首创的“早餐桌图画”，在色
调方面接近于霍延的风景画，把光线与空气的感觉表现
得清新而透彻；而在构图方面，则强调各种餐具、用具
的形式和质感之间的对比，画中的锡□器皿、瓷器、玻
璃器、布、陶碗、烟斗以及各种食品和野味，均显得极
为逼真。其他静物画家也各有专长,如A.van贝耶伦画海
水产品，J.韦尼克斯画猎获的禽兽，M.洪德库特画鸟等。
荷兰花卉画家根据水彩写生来绘制油画，同一幅花卉油
画中有时出现属于不同季节的多种花卉。而在动物画方
面，则有一批擅长描绘牛、马、羊之类牲畜的画家。
宗教、神话与历史画 这类油画在荷兰虽然不像过
去那样发达，但17世纪时并未绝迹。乌德勒支画派便以
绘制意大利式的风格主义宗教画而出名。此外，伦勃朗、
维米尔等也曾从事于宗教画创作。

⑺ 求一幅国外花卉静物油画的名字和作者

作者：Jan Frans Van Dael
作品名称：静物:玻璃瓶中玫瑰 - still life of roses in a glass vase
作品尺寸：37x46.5
作品年代：
作品材质：回油画 oil on panel
此画家的作品基本都是答花卉静物

⑻ 问下这张油画是谁的 超喜欢的 百度图片 油画花奔有他的许多画

法国画家亨利·方丹-拉图尔 望采纳

⑼ 有青瓷水罐和花卉的静物 评价

《有青瓷水罐和花卉的静物》(荷兰)德海姆(1606～1654)
(油画)(现藏英国牛津阿什穆兰美术馆)
自荷兰人民取得民族独立以后，绘画的题材已不仅局限于贵族和教会而延展到市民阶层的生活，正如有的学者在著作中所言：“荷兰绘画是描绘这个阶级本身的面貌的艺术。”在这种条件下，荷兰的静物画应运而生了。画静物，同样赋予着人们的感情与风俗习惯，并且与人物肖像和风俗画一样，成为富于象征意义的观赏艺术被人们竞相购买。德海姆就是这个时期的杰出代表。
他早期作品构图相对简单，色彩深而不丰富。他后期的静物画发生了一些变化，原先的质朴性被后来的装饰成分所取代，并且开始接受巴洛克画风的影响，所画静物如水果、金属盘，酒杯等极富质感，并且色彩华丽，往往偏爱干深色背景前凸现静物，如这幅《有青瓷水罐和花卉的静物》就如此。静物描绘真实而细腻，光感、质感表现恰如其分。尤其是削了皮的柠檬这样鲜为人关注的细节使观众平添了几许联想和猜测。也让我们更多地领悟静物画并非无生命的绘画，它也蕴藉着人的痕迹和气息，只不过它是处于一种生命相对静止的状态中。这一切无不表现出画家敏锐的生活洞察力、高超的写实技巧，以及对生活本质的内在领悟力，才使得生活中平凡得随处可见的器物和细枝末节定格为艺术的永恒。

⑽ 欧式静物油画图片及价格

油画，是欧洲著名的画种之一，主要用调和颜料作于木板纸板和画布上，具有别的画种所没有的色泽，能活灵活现的表现事物的张力，因而在欧洲风靡几个世纪。欧洲因此而诞生看许多优秀的画家，例如梵高，达芬奇等，他们都是油画大家，善于描绘景物之美，善于表现人物的神态，十分的传神，他们所做的油画都享誉于世，至今魅力不减，吸引着世界各地的收藏爱好者前来观看。越来越多的人喜欢购置欧洲静物油画图片来装扮房间，今天小编就给大家介绍欧洲的静物油画图片和价格。

欧洲静物油画的发展：欧洲的油画最初起源于蛋彩画，十四世纪因为科技和文化的发展，绘画的材料和技法发生了改变，画家开始使用处理过的布料进行绘画，许多人觉得在布料和木板上绘画更舒适，人们纷纷效仿，颜料的革新，进一步推动了油画的盛行，到16世纪，欧洲油画也传入东方，后根据历史考察，油画曾一度出现在16世纪中叶的中国，由此可见油画在全世界的影响之大。

欧洲静物油画图片介绍：欧洲的油画创作品种很多，主要是古典，近代和现代这三大类。创作的主体有人物，静物，风景等，其中最盛行的便是欧洲油画中的静物，许多静物油画更是被封为油画的经典之作，许多厂商因此而进行欧洲静物油画进行制作，做成图片，像梵高的著名静物之作向日葵就是最畅销的油画图片之一!还有较多的，厂商把手绘静物油画进行装裱，然后出售。一副美丽的静物油画图片往往提升房间的静谧和品格。

欧洲静物油画图片的价格：一般的静物油画的价格在在300元左右，这一般是对名画的临摹制作，在许多的酒店，宾馆多有使用，我们也可以在客厅或者书房使用，这往往会渲染房间的气氛，是个不错的选择。手绘的欧洲油画价格在500元以上，均价在800元左右，根据成画的质量来断定，一般以花卉等静物的为主要进行创作，还有的是根据消费者进行定制，此等静物油画的价格在2000元以上。

以上就是小编为大家介绍欧洲静物油画图片和价格，油画是欧洲绘画的代表画种，闻名世界，从十六世纪开始风靡几个世纪，诞生了不少的绘画大家!他们遗留了不少的传世之作，人们热爱名画，因此进行临摹制作，经常悬挂在房间内。静物油画图片的价格在300元左右，精美手绘的静物油画的价格在800元左右，专属定制的油画图片比较费时费力，因此价格较高，在3000元左右，但这也丝毫不影响人们的热情和购买力，您也可以根据自己的喜好定制专属的欧洲油画静物图片。