伦勃朗花卉

Ⅰ 17世纪荷兰画派的主要贡献

16世纪尼德兰人民反抗西班牙统治，经数十年革命，
1581年北方诸省宣布独立，成立荷兰联省共和国。1609
年西班牙跟荷兰签订12年停战协定，事实上承认了荷兰
的独立，而南部佛兰德斯地区则仍归西班牙统治。这样，
17世纪以后，尼德兰美术一分为二，北方地区的美术形
成了独立的荷兰民族美术，跟南方的佛兰德斯美术分道
扬镳。
荷兰美术中最引人注目的为绘画,建筑次之,雕塑居
末位。而在绘画方面，17世纪的荷兰画派尤为重要。虽
然在其他时期也有一些值得提起的画派和画家，可是唯
独在17世纪,荷兰画派作为一个整体,才以其巨大的规模
和成就,对整个西方美术的发展,产生过意义深远的影响。
17世纪为荷兰绘画的黄金时代。革命的胜利促使经济和
文化的欣欣向荣。这个新兴国家是当时欧洲先进思想中
心之一。荷兰画家们怀着民族自豪感。用写实手法在作
品中表现祖国的人民生活和自然风景等。绘画终于摆脱
对宫廷贵族和天主教会的依附，开始为新兴的市民阶级
服务。随着绘画市场和画商的出现，绘画成为市场上的
商品。为满足市民的生活和审美需要，绘画的品种较之
以往大为扩充。除宗教历史画和肖像画外，风俗、风景、
静物和动物画也发展为重要画种。17世纪荷兰最重要的
画家为伦勃朗、F.哈尔斯、J.维米尔及J.van雷斯达尔。
当时，荷兰多数城市中绘画艺术均相当发达，其中最发
达的为阿姆斯特丹、哈勒姆和代尔夫特。不过，就诸画
派来说，地区之间的差异并不像品种之间的差异那样地
来得明显。除前述4位画家以外,属于不同画种的还有许
多艺术成就不等的画家，他们被称为荷兰小画派。
风俗画 17世纪荷兰风俗画不像文艺复兴时代画家
那样地往往通过宗教题材来反映现实生活，而是直接地
以非理想化的手法来如实地反映市民和农民的日常生活。
这类风俗画大致包括两类内容：农民题材和反映市民生
活的所谓时装题材。前者继承和发展了16世纪P.勃鲁盖
尔的绘画传统。可能是哈尔斯的两个弟子A.布鲁威尔和
A.van奥斯塔德的作品,取材农民生活。布鲁威尔的油画
幅面虽小，但由于注意整体关系和画面气氛，因而画中
形体显得厚重而朴实。他生前先后活跃于荷兰和佛兰德
斯两地，但主要是佛兰德斯画家。奥斯塔德的风俗画有
类似长处，其画面情绪比较风趣和乐观，不像布鲁威尔
的油画那样地往往带有悲怆感。
布鲁威尔：《醉汉打架》
从事时装画的有在莱顿工作的画家G.道。他在20～
30年代从伦勃朗习画，后来形成自己的画风。其作品往
往表现少数几个人物处身于室内，壁上有一扇窗子，并
有布幔、书本、乐器等道具。这类作品幅面不大，但相
当精致，并注意光线的表现，为精致画派的精品。N.马
斯于40年代末至阿姆斯特丹受业于伦勃朗门下。他的那
些表现老妪在祈祷或瞌睡的时装画，曾风行一时。G.梅
曲活跃于莱顿和阿姆斯特丹，擅长于描绘中产者安逸而
宁静的家庭生活。他的室内情景画在技法上相当细腻精
巧，比较接近于维米尔的作品。G.泰博赫跟同时代其他
许多荷兰画家不一样，曾在许多欧洲国家旅行，识多见
广，不属于任何一个地方流派。所绘的那些反映市民阶
级上层分子悠闲生活的时装画，生前很受买主欢迎。他
尤其擅长于细腻地表现富裕人家妇女衣着的质感。J.斯
滕则兼画农民题材油画和时装油画，是一位有成就的风
俗画家。
荷兰风俗画家中最杰出的，为代尔夫特的两位画家：
维米尔和P.de霍赫。可是，维米尔生前却不像泰博赫和
梅曲那样受市民们欢迎，由于卖不出画而在负债累累之
中死去。他的风俗画富有生活情趣，并在艺术处理上显
示出宏大的气派。霍赫自年起定居代尔夫特，在那
儿完成了他的一些最佳作品。
肖像画 早在16世纪末，尼德兰北方诸省就已有其
本身的肖像画传统了。北方画家C.凯特尔和J.van斯科勒
尔在力求摆脱风格主义肖像画程式的束缚的同时，形成
了比较写实的画风。凯特尔及其追随者们还发展了尼德
兰早先就有的团体肖像画传统。这些画家乃是17世纪荷
兰肖像画艺术的先驱。
哈尔斯：《笑的骑士》
17世纪荷兰肖像画最兴旺的地区为哈勒姆和阿姆斯
特丹。哈尔斯为17世纪初荷兰最有名的肖像画家。他画
中的人物不再是类型化而是个性化的。其早年作品充满
乐观主义精神，尤其能准确而生动地表现人物脸部从微
笑转化为大笑过程中的刹那间表情。其团体肖像画刻画
了因人而异的性格特征,神态自然,构图生动，克服了上
一世纪团体肖像画程式那种画面过于拥挤、人物表情呆
板的缺点。伦勃朗的肖像画则往往更深刻地揭示了各式
各样人物丰富而复杂的内心世界。除绘制肖像画外，伦
勃朗还精于制作其他体裁的油画，从而展现了他作为同
时代荷兰画家中最杰出的绘画大师的多方面才能。
伦勃朗：《戴头盔的人》
风景画 15～16世纪,风景画在北欧已有所发展,可
是人们只把它看成是次要画种。直到17世纪，荷兰风景
画家们跟法国风景画家克洛德·洛兰等一起，才使风景
画演变为重要画种之一。
17世纪最初10年中，荷兰风景画仍然明显地受到16
世纪样式主义风景画程式的影响，在构图方面往往采用
较高的地平线,远景为幻想出来的山脉,而远近感则以程
式化的色彩来表达,即前景为褐色,中景为绿色，远景为
蓝色。1612年，两位风景画家E.van de费尔德和H.P.塞
赫斯参加了哈勒姆画家同业公会。他俩发展了荷兰风景
画艺术的写实倾向。例如，费尔德的风景画在构图方面
把地平线压低，并废弃程式化的用色方法，使整个画面
显得透视合理，空间感强，色调富有真实感。费尔德的
弟子霍延，J.J.van 在20年代中画风酷似其师，后来青
出于蓝，形成独特的风格，在画中逼真、细腻而流畅地
表现了对光线与空气的感受。他所留下的几千幅油画和
素描真实而动人地记录了当年荷兰的运河、港湾以及莱
茵河地区的风景。
雷斯达尔家族的成员们对荷兰风景画的发展作出了
重要贡献。他们中间,J.van雷斯达尔尤其使荷兰风景画
发展到了顶峰。他除继承和发展前辈风景画家在表达光
线和空气感方面的成就外，还有意识地强调整个画面的
结构感。他擅长于画树和渲染画面气氛。人们形容他的
风景画为“史诗式”的。他的弟子中以M.霍贝玛最有名。
费尔德家族中的另一个成员小W.van de费尔德和J.
van de卡佩勒以擅长于绘制海景画而出名。这类海景画
对18世纪的英国风景画产生过较大的影响。
静物画与动物画 早在15世纪，尼德兰画家们，如
凡·爱克兄弟等即有善于表现各种物质特性的传统和兴
趣。他们所描绘的金属、丝绒、玻璃等具有逼真的质感。
可是，这些东西过去只被用作宗教画或肖像画中的道具
或背景。直到17世纪，静物画才成为重要的绘画样式之
一。它在荷兰的发展，也由于当时荷兰市民对于来之不
易的安宁富足的小康之家，产生出由衷的喜欢。他们在
生活享受方面追求丰裕的饮食和考究的餐具，此外，还
注意美化生活环境，如种植郁金香等花木。荷兰静物画
的繁荣，看来正是为了满足他们的生活要求。哈勒姆画
家P.克拉斯和W.C.海达所首创的“早餐桌图画”，在色
调方面接近于霍延的风景画，把光线与空气的感觉表现
得清新而透彻；而在构图方面，则强调各种餐具、用具
的形式和质感之间的对比，画中的锡□器皿、瓷器、玻
璃器、布、陶碗、烟斗以及各种食品和野味，均显得极
为逼真。其他静物画家也各有专长,如A.van贝耶伦画海
水产品，J.韦尼克斯画猎获的禽兽，M.洪德库特画鸟等。
荷兰花卉画家根据水彩写生来绘制油画，同一幅花卉油
画中有时出现属于不同季节的多种花卉。而在动物画方
面，则有一批擅长描绘牛、马、羊之类牲畜的画家。
宗教、神话与历史画 这类油画在荷兰虽然不像过
去那样发达，但17世纪时并未绝迹。乌德勒支画派便以
绘制意大利式的风格主义宗教画而出名。此外，伦勃朗、
维米尔等也曾从事于宗教画创作。
18世纪，荷兰绘画缺乏创新精神。18与19世纪之交，
荷兰绘画受法国美术影响，新古典主义和浪漫主义曾风
行一时。19世纪中叶，J.伊斯拉埃尔斯等以其写实而带
有社会批判性质的油画，振兴荷兰绘画艺术。70年代起，
伊斯拉埃尔斯定居海牙，成为海牙画派的首领之一。J.
B.戎金长期客居巴黎，是法国印象主义绘画的先驱。而
后印象主义画家V.凡高则由于其艺术成就而获得巨大世
界声誉。20世纪中，荷兰画家中的知名人士有野兽主义
画家K.van童根、象征主义画家J.T.托罗普、风格派画家
P.蒙德里安等。
凡高：《圣马利的渔船》
建筑 荷兰独立革命前后，这里没有建造过大教堂
和大宫殿，而是忙着建造市政厅、交易所、钱庄、行会
大楼等。17世纪中叶，荷兰建筑在欧洲唯理主义哲学的
影响下，形成了自身的古典主义样式，这种样式曾为英、
法两国的一部分民用建筑所模仿。18世纪中叶起，荷兰
经济衰退，建筑事业不太发达。1857年在阿姆斯特丹最
先出现了钢材结构的建筑物。19世纪末，建筑师H.P.贝
拉赫强调以功效的观点来构造建筑。他所设计的实用样
式掀起了荷兰建筑的革新运动，其代表作为阿姆斯特丹
证券交易所。这类建筑对以后西方现代派建筑产生过较
大影响。
雕塑 荷兰在肖像雕刻和陵墓雕刻方面有其成就和
自身的传统，但国际影响不大。20世纪前半期，雕塑家
J.安德里森和H.M.韦泽拉尔等所制作的一些肖像雕刻和
战争纪念碑，表达出高雅而庄重的气派。此外，20世纪
的荷兰，抽象雕塑曾风行一时。

Ⅱ 欧洲擅长画油画，画花的

达芬奇 作为文艺复兴时期作卓越的代表人物,达芬奇的成就和贡献是多方面 的.达芬奇出生在佛罗伦萨附近的一个小镇 芬奇镇.他小时侯曾经拜佛罗基 奥为师,佛罗基奥首先让他练习画蛋,一画就是几年,然后才开始教他作画.由 于达芬奇打下了坚实的素描基础,后来终于成为一代宗师.
凡．高 凡高是荷兰人,但长年生活在法 国,是后印象派的重要的画家.和他 的同胞伦勃朗一样,凡高也喜欢为自 己画像
丁托列托 丁托列托出生在威尼斯,是一个染坊主的儿子.他长期生活在故乡,用画笔装饰城市的庭院和教堂.他曾拜师提香,追求提香般绚烂的色彩和米开朗基罗般结实的形体是他的目标.
毕加索 毕加索,西班牙人,自幼有非凡的艺术才能.他的父亲是美术教师,又曾在美术学院接受过比较严格的绘画训练,具有坚实的造型能力. 他一生中画法和风格几经变化,分为这样几个时期: 蓝色时期" 玫瑰红时期" 黑人时期"
高更 高更是法国后期印象派三大巨匠之一.他起步较晚,早期的画追求形式的简化和色彩的装饰效果,但还没有摆脱印象派的手法.他不但对埃及古代绘画很感兴趣,而且向往仍处于原始部落生活的土人们的风习和艺术.被称为原始人产最高典型.
列 宾 俄罗斯写实主义绘画大师列宾与法国绘画巨匠莫奈，同为19世纪后期欧洲美术史上，引人注目的重要级人物。他们的艺术在欧洲的东西部，各领一方风骚，影响力延伸到整个20世纪。
卢 梭 由素人画家跃居为近代朴素绘画大师的卢梭，是一位自学成功的典型画家。他的作品糅和了现实与梦想，充满了自然原始的天真活力。
达 利 达利是盘踞在超现实主义中心的一位恃才傲物的怪杰，与毕加索、米罗三人都启蒙于西班牙加泰隆尼亚这块地灵人杰的土地上。其特异独行的艺术，为本世纪的画坛增添了许多灿烂光辉。
米 勒 米勒是19世纪写实主义杰出的代表画家。他的童年和青年时代都在农村度过，对农村生活和在那里劳动的人们，有深刻的了解和深厚的感情，了解他们的了欢乐与痛苦，也分尝着他们的信仰和偏见，这使得米勒成为伟大的田园画家。
怀 斯 安德柳·怀斯是美国20世纪最伟大的画家之一。他描绘美国乡间自然风土人物的画作，以精致逼真的写实风格，表现了人与大自然的交流与调和，朴实的题材，引发人们怀念乡土与自然的情思。
雷诺阿 雷诺阿是著名的印象派大画家。他的绘画在追求光的感觉中，用鲜明丽透明的色彩，将古典传统和印象派绘画做了最完善的结合。不论是丰腴的女人、天真的孩子童，还是阳光照耀下人浴女，在雷诺阿的画笔之下，都充满了温暖、鲜明、迷人的梦幻般魅力。
夏加尔 夏加尔是20世纪极具亲和力的大画家。犹太血统、生于俄国，入籍法国的夏加尔，不但追求天真纯朴，并感性地面对生命、爱情与艺术。
莫迪利阿尼 蒙巴纳斯王子”莫迪利阿尼只活了三十六岁。他出生于罗马犹太名门，一生追求礼赞生命与情爱，犹太人特有的敏感及意大利艺术的传统与根源均影响他的画作及石雕作品。
康丁斯基 1910年，具有东方血统(祖母为蒙古公主)的康丁斯基画下了美术史上第一幅纯粹抽象画。三十岁才立志学画的康丁斯基，很少停留在固定的绘画模式中，总是不断思考、审视、推进自己的创作，
柯 罗 在法国艺术史上，柯罗是19世纪最出色的风景画家，与17世纪的普桑及克劳德·洛兰同称法国三大风景画家。柯罗的风景画朦胧而富有诗意，无论是早晨清新柔和的光线，还是黄昏洒满一地黄金的湖光山色，美丽的梦中桃花源景致都令人为之向往。
米 罗 出生于西班牙巴塞罗那的米罗，早期艺术受塞尚影响极深，在经历立体派、超现实主义的洗礼后，发展成自己独特的风格。本书收集了米罗早期作品，及“荷兰室内”、“星座”等系列代表作，另附加造型独特的雕塑 作品与其生平记事，足以解析米罗与众不同的艺术。
杜 菲 作为20世纪初叶现代绘画史开端的野兽主义成员之一的劳尔·杜菲，是一位多元化创作的艺术家。除绘画之外，他的艺术领域扩展到挂毯、壁画、布料图案设计及陶瓷创作，活泼的曲线运用，成为崭新流行设计的先驱。
蒙克 北欧表现主义先驱者——蒙克，是一位风格独特的挪威籍著名大画家。他的童年生活几乎都笼罩在死亡与疾病的阴影之下，而这些可怕的经历，不仅在他的心灵上烙下深刻不灭的印象，也间接地变为创作绘画时的灵感素材，这使得蒙克在西方近代绘画史上与众不同。
德加 生孤独，不善与人交往的德加，是矛盾、冷漠与遁隐的组合。在他的艺术世界中，没有雷诺阿所强调的享乐与随和，也没有梵高的可怜或自我毁灭。他以冷淡而敏锐的观察，描绘出人物动作的瞬间印象，显现出鲜活的魅力。
马蒂斯 马蒂斯与毕加索同为20世纪现代艺术的巨擘，而野兽派更引导了20世纪的绘画大革命。以马蒂斯为首的野兽派画家，利用红、蓝、黄、绿等色彩，表达简约物象的自然本质，描绘内在真挚的感情与装饰效果，创作出令人惊艳，极度自由、奔放、华丽、平衡的作品。
勃拉克 勃拉克与毕加索是立体派艺术的两位先驱代表人物。他们曾携手作画，共同为自然界的视觉形式寻求新的定义，独特的理论与杰出革新的画作，在现代艺术中，占有重要的地位。
蒙德里安 20世纪几何抽象艺术大师蒙德里安，是荷兰三大画家之一。在经历了荷兰画派、印象主义及表现主义的洗礼后，于1917年创立风格派，发展出他独特的构图理念，将绘画的基本元素，结合几何图形的排列，建立起独树一帜的新造型主义艺术。
莫 奈 莫奈是印象派最具代表性的画家，不但长寿(享年八十六岁)，而且画作数量惊人。他常对同一画作主题在不同时间中写生描绘，画出不同的光景气氛，显出光与色的高明度及鲜明感，交织成光与色彩的华丽交响诗，创作出印象派的巅峰之作。
塞 尚 出生于法国普洛文斯，原习法律而后献身艺术的塞尚，一生的艺术生活，都从自身接触自然而来。他认为“自然不是表面，而是有它的深度”、“色彩丰富，画面自然充实”。
丢勒 丢勒 德国画家.1471年5月21日生于纽伦堡,1528年4月6日卒于同地.祖籍匈牙利,自幼随父学习金银工艺,后拜版画家M.沃尔格穆特为师.成年后出游意大利威尼斯和尼德兰, 与C.贝利尼等友谊甚笃,充分吸收文艺复兴美术的技艺和理论,
乌埃 乌埃.S. 法国画家.17世纪上半叶法国宫廷古典主义艺术的主要代表. 他的常常借用神话或宗教题材来为路易十三王朝歌功颂德,深得统治阶级人物的欢心.
霍贝玛 霍贝玛 从十七世纪起,荷兰专门从事风景画的人已很多.其中成就最大的是 雅.鲁伊斯达尔和霍贝玛.
庚斯博罗 庚斯博罗是18世纪继荷加斯之后在英国画坛脱颖而出的天才画家.他虽然不大喜欢读书,甚至连普通中学都没有读完,但是,他"说起话来妙语连篇"他虽然没有著述传世,"可是,以他写给密友的信来看,他的知识又很少有人可以与其相比".
夏尔丹 782年法国举办的青年画家展览会上,展出了夏尔丹的 红鳐鱼 与 餐具橱 两幅作品,得到了拉吉莱赫的高度赞赏.同年夏尔丹被接纳为美术学院院士.以后他在创作纯熟的静物画的同时,以充满爱情的笔致描绘着洋溢诚实,宁静气氛的家庭生活.
委拉士贵支 委拉士贵支在1649年第二次去意 大利时在那里完成了一幅著名的肖像画教皇英诺森十世像,画面上的教皇,尽管脸上流露出一刹那坚强有力的神情,但是他放在椅上的两只手都显得分外软弱 无力.画家巧妙地抓住了这一点
克拉姆斯科依 克拉姆斯科依所画的托尔斯泰像 具有深刻的人民的基础,画像以非常 忠实与极其朴素的手法,把"伟大的 狮子"的形象给后代人 保存下来.
葛饰北斋 葛饰北斋以充沛的精力,大胆的想像,精湛的画艺,及长达七十年的创作生涯,留下大量的杰作, 富岳三十六景 一组版画即是名闻遐迩的代表作.
让·阿普 又名汉斯·阿普(1887年生于斯特) 十了奇特的人物之一."怪物"可能是用来概括他的最合适字眼.不过,他又是人们在化学上所说的单质,所以我们还是只能以他的本名来命名他
阿波利奈尔 (1880～1918)

Ⅲ 《向日葵》是谁画的作品

《向日葵》是1888年8月—1889年1月期间荷兰画家文森特·梵高所绘制的以插在瓶中的向日葵为主要内容的一系列油画作品。

《向日葵》系列作品是梵高的代表作。梵高共创作了11幅有关向日葵的画作，如今作品分布在荷、英、美、日、德等国。本次合璧展将展出的是荷兰阿姆斯特丹梵高博物馆和英国伦敦国家美术馆的馆藏。

梵高博物馆向英国出借的这幅《向日葵》创作于1888年，是该系列作品中最著名的一幅。伦敦国家美术馆馆藏画作由博物馆1924年直接从梵高家人手中购得，是系列作品中的第四幅，描绘了向日葵花瓣逐渐凋零、色彩逐渐褪去的形态。

专家评估，这两幅画作的拍卖价格均在1亿英镑左右。值得一提的是，有关《向日葵》绘制过程和所用材料的最新研究成果也将同两幅画作一起展出。据悉，《向日葵》一直是伦敦国家美术馆最受欢迎的馆藏之一。过去10年内，美术馆售出了上百万张以《向日葵》为主题的海报和明信片。

(3)伦勃朗花卉扩展阅读

梵高创作和再创作《向日葵》时显示出的自我批评精神，很让人受启发，没有已完成的艺术，只有被抛弃的艺术。

梵高的一生几乎都被挤迫在命运的边缘，饱尝世态炎凉和接踵而至的创伤，但他反而鞭策着自己在逆境中寻找阳光，更强悍地成长。

带着对凡高苦难人生的理解，再度审视这幅作品，眼前的向日葵不再是简单的植物，而是诚挚而热烈绽放着的生命，犹如凡高本人。凡高通过描绘向日葵，向世人表达了他对生命的理解，并且展示出了他个人独特的精神世界。

梵高通过向日葵向后人传递着这么一个信息：怀着感激之心对待家人，怀着善良之心对待他人，怀着坦诚之心对待朋友，怀着赤诚之心对待工作，怀着感恩之心对待生活，怀着一颗欣赏之心享受艺术，宛若眼前那灿若花开的向日葵。

从某种程度上讲，《向日葵》是对时代变幻莫测的礼赞，它充满活力的色彩孑然一改17世纪以来荷兰花卉绘画的悠久传统。

Ⅳ 充满活力的巴洛克艺术

——在英国牛津大学阿什莫林博物馆的探索与发现之九

因为对巴洛克时期的音乐有着浓厚的兴趣，特别喜爱聆听巴洛克时期的音乐家巴赫，所以爱屋及乌，在浏览阿什莫林的艺术画廊时也特别关注了巴洛克时期的绘画，在第二层楼46号展厅专门展示了这一时期的绘画艺术。

简单介绍一下——

巴洛克Baroque原意指形状不规则的珍珠，是一种艺术形式，由于这种艺术风格的盛行，后人称之为巴洛克时期。这个时期出产的音乐作品就称为巴洛克音乐。巴洛克时期是西方艺术史上的一个时代，大致为十七世纪。其最早的表现在意大利为十六世纪后期，十八世纪到达鼎盛。

巴洛克音乐的一些特点是：节奏强烈、跳跃，采用多旋律、复音音乐的复调法，比较强调曲子的起伏，所以很看重力度的变化，速度从始至终保持不变。

巴洛克时期的代表人物有：巴赫、维瓦尔第和亨德尔。巴赫是音乐之父，由此可见他的威望之高；维瓦尔第凭着他的《四季》一举成名天下知；亨德尔是旋律大师，他的作品有一种优雅；他们所留下来的东西是巴洛克时期的一大笔财富。

巴洛克艺术是欧洲十七世纪的一种艺术风格，运用夸张的运动性和清晰可辨的细节在雕塑、绘画、建筑、文学、舞蹈和音乐等领域来营造戏剧、紧张、繁琐、恢宏的效果。这种风格于1600年左右起源于意大利的罗马，随后便散布到欧洲的大部分地区。 巴洛克风格的流行与成功与罗马天主教会的鼓励有关。

绘画艺术的代表人物有：卡拉瓦乔、吉安·洛伦佐·贝尼尼、伦勃朗、彼得·保罗·鲁本斯、委拉斯开兹、扬·弗美尔，等等。

阿什莫林博物馆第二层楼46号展厅，巴洛克艺术，1600-1700。

巴洛克艺术充满了强烈的活力。

这种创新风格是在1600年左右的意大利发展起来的。安斯特Anists在绘画和雕塑中探索现实主义和表达模式。一些人倾向于一种基于对古董的研究的理想化的艺术类型。

罗马以其古典遗产吸引着艺术家和收藏家。意大利和北欧的艺术家，包括皮埃特罗·达·科尔托纳、尼古拉斯·普桑和克劳德·洛兰，都移居到这里。富有的赞助人竞相收藏精美的艺术品。

罗马是天主教会委任的主要中心。教会提倡一种新的虔诚，这种虔诚需要一种更直接、更有感情的艺术。

该画廊以w·f·r·韦尔登夫人的名字命名，她是一位长期的赞助人，在1936年将她的艺术收藏品遗赠给阿什莫尔人。

马蒂亚斯·斯通(1589/1600- 1652年后)《吹热，吹冷，大约1640年》～

从私人收藏者租借，2018。

《吹热，吹冷》讲述了伊索寓言《森林之神和旅行者》中的一个故事。在这个故事中，一个农人向森林之神赛特吹气，使他冰冷的手指变暖。当森林之神看到农夫用同样的方法冷却一碗热汤时，他更加惊讶了。这个主题在荷兰艺术中特别受欢迎，因为它巧妙地结合了古典神话和日常生活的元素。出生在荷兰的艺术家斯通搬到了意大利，在那里他以卡拉瓦乔的风格工作，喜欢戏剧性的灯光效果。在这里，夜间用餐的场景被一根蜡烛照亮。

乔治·彼得（Georg Petel，1601 / 2-1634年）象牙雕塑《维纳斯和丘比特》～

1932年购买。

佩特尔是一位象牙雕刻专家，他的工作受到高度赞扬。他曾在慕尼黑、荷兰南部、热那亚和奥格斯堡工作。这个小雕像是对梵蒂冈克尼多斯的古代阿芙罗狄蒂雕像的自由改编。彼得·保罗·鲁本斯收集了他的作品，彼得·保罗·鲁本斯是他的好朋友。他在1624年拜访画家时雕刻了这座雕像。

这可能是1635年白金汉第一公爵乔治·维利尔收藏的《维纳斯与丘比特》。

彼得·保罗·鲁本斯爵士(1577-1640)《日耳曼的荣耀》，布面油画～

被英国政府接受，属于克里斯托弗·诺里斯（Christopher Norris）遗产的部分遗产税。

鲁本斯的灵感来自于一个雕刻精美的古罗马浮雕。这是他的朋友尼科拉-克劳德·法布里·德·佩雷斯克于1620年在巴黎发现的。

这幅浮雕是一幅讽刺画，描绘了日耳曼人向他的父母、提比略皇帝和他的母亲利维娅以及其他过去和现在的家庭成员告别的情景。在这幅大幅放大的作品中，鲁本斯给冰冷的石头增添了生命和温暖。他还修复了两个丢失的头颅。1626年，他把这幅画作为送给佩雷斯克的礼物。

弗朗切斯科·布内里（Francesco Buoneri），名叫塞科·德尔·卡拉瓦乔（Cecco del Caravaggio，记载在1610年至1621年之间）《室内装饰着一幅静物画，一个年轻人拿着乐器》，布面油画～

1936年购买。

那人带着挑战的神情望着外面。他坐在厨房里，手拿陶笛，桌上有各种水果、面包和陶器。其他元素，如他的服装，小提琴，或昂贵的玻璃器皿表明，这不仅仅是一个日常场景。

塞科是卡拉瓦乔的一个亲密追随者，我们所知的他的画作寥寥无几。他喜欢灯光强烈、主题神秘的作品。虽然塞科的画中包含了现实主义元素，但他的画非常戏剧化。桌子不同寻常的角度是他个人风格的典型代表。

安东尼·范·戴克(1599-1641)《证词》，约1619年，布面油画～

由查尔斯·t·莫德(Charles T. Maude)于1869年提供。

死去的基督，血从他的伤口流出来，被从十字架上取下，圣母玛利亚、抹大拉的马利亚和传福音的约翰都为他哀悼。基督的献祭是指弥撒的圣餐或圣礼。由于它强调身体上的痛苦，这尊祭坛上的圣物可以作为一种悔改的召唤。

范·戴克大概是在1619年左右完成这幅画的，那时他还没有离开安特卫普去英国。其原址不详。深思熟虑的情感诉求是十七世纪宗教艺术的典型特征。

克劳德·洛兰（Claude Lorrain）（1604 / 05-1682）《阿斯卡纽斯射杀西尔维娅的雄鹿的情景》，布面油画～

1926年由w·f·r·韦尔登夫人赠送。

特洛伊首领埃涅阿斯的儿子阿斯卡涅斯正在罗马乡间打猎。可悲的是，他的行为将导致特洛伊人和拉丁人之间的战争。

银色调的风景和谐而宁静。聚集的云朵和微风在高大的树木间荡漾，唤起了即将来临的暴力。

这一富有诗意的场景来自维吉尔的《埃涅伊德》。克劳德在他生命的最后一年在罗马为洛伦佐·奥诺弗里奥·科隆纳王子画了这幅画。它原本是作为另一幅风景画《狄多和埃涅阿斯》(Dido and Aeneas before Carthage)的配套作品，这幅画是克劳德(Claude)在1675年至1676年创作的。

阿德里亚恩·德弗里斯（约1556-1626）《墨丘利和丘比特，约1626年》，青铜雕塑～

从私人收藏租借，2017年。

荷兰人阿德里安·德·弗里斯是他那一代人中最有才华的巴洛克雕刻家。在意大利与Giambologna一起工作后，他被任命为布拉格神圣罗马皇帝鲁道夫二世的宫廷雕刻家。这座充满活力的雕像是在这位雕刻家生命即将结束时，在皇家铸造厂铸造的。虽然灵感来自于吉安博洛尼亚闻名世界的水星，但它是德弗里斯后期风格的一个罕见的例子。墨丘利和丘比特是用柔软的蜡塑造的，有着近乎怪异的外形，同时保持着完美的解剖学比例。

尼古拉斯·普桑（Nicolas Poussin）（1593 / 94-1665）《摩西的论述》，布面油画～

由已故的爱德华·弗莱爵士的女儿们慷慨捐赠，并在艺术基金的资助下购买，1950年。

法老命令所有的希伯来人的儿子都淹死在尼罗河里(出埃及记2：2-4)。摩西的母亲把她的孩子放进了芦苇做的方舟里。法老的女儿来到河边，救了孩子，给他起名叫摩西，他的姐姐米利亚姆就在旁边观看。

普桑在1654年为他的朋友艺术家雅克·斯特拉画了这幅画。他选择描写一段悲伤和绝望的情节，而不是《寻找摩西》中流行的场景。故事发生在古罗马，基督教未来的故乡。狮身人面像和河神是尼罗河的象征。

阿什莫林博物馆第二层楼47号展厅，德国和弗兰德艺术（Flemish Art）1400–1650

这个房间里的艺术品是由德国、佛兰德和西班牙的艺术家在十五世纪晚期到十七世纪中期创作的。

在十五世纪的意大利艺术中，人们对古罗马雕塑和建筑的热情丝毫未减。到十六世纪早期，北方的艺术家们已经开始修改他们的地区传统，以回应意大利文艺复兴时期的艺术。这里的几位画家完成了他们在意大利的学业，把意大利绘画的最新潮流带回了他们的家乡。

汉斯·舍弗勒因（HansSchäufelein）（约1480 / 85-1539 / 40）《基督告别他的母亲》，木制油画～

有会徽的签名，日期为1514年。从私人收藏借来的，伦敦。

这幅画的题材不一般。这个故事讲述的是基督如何在最后的晚餐前夕与他的母亲分开，故事的来源并没有出现在圣经中，而是首次出现在中世纪的文本中。

阿尔布雷希特·丢勒(Albrecht Durer)在一幅木刻版画中阐述了这一主题，这幅版画成为他的几个德国同代人的模型。其中包括舍弗莱因（Schäufelein），他从杜勒（Dürer）的版画中选取了中间的一组，但在左边添加了使徒，在右边添加了一些额外的人物。它上面刻着这位艺术家的标志，一把铁锹(德语中是“schaufel”)，这是对他名字的双关语。

彼得·保罗·鲁本斯爵士（1577-1640年）《马克西米利安一世皇帝》，油墨版画～

钱伯斯·霍尔提供，1855年。

1634年，鲁本斯受命设计了一系列的街道装饰，以庆祝新上任的西班牙荷兰总督费迪南德进入安特卫普。这是鲁本斯为实现其设计的艺术家和工匠所作的大量油画素描之一。

这幅素描是为马西米兰皇帝的雕像所作的研究，马西米兰皇帝是装饰在皇帝门廊上的十二个镀金的大雕像之一。

南德意志，十五世纪末期肖像，《一位手持鲜花的年轻女子的画像》～

威廉·w·斯普纳遗赠，1968年。

这幅精致的肖像画被认为是著名的版画家米尔·冯·兰德斯特所作，他死于1510年。人们对他作为画家的作品所知甚少，很难证明这幅画是他画的。

它可能与她未婚夫的相似画像形成一对。她左手拿着的粉红色或康乃馨与订婚的夫妇有关。

（上图）阿什莫林博物馆第二层楼48号展厅，荷兰和佛兰德的静物画（Flemish Still-life Paintings）。

静物画起源于十六世纪，当时艺术家们开始用无生命的物体，如水果或花朵，来创作独立的作品，而这些东西在宗教和历史作品中曾经出现过。它首先出现在意大利，但它是一种艺术形式，主要与十七世纪的荷兰和佛兰德斯艺术家有关，这些画家中的许多人专门从事静物画的一个分支——花卉、水果、鱼、宴会用具、炊具和其他物品。有时他们通过引用生命的短暂来赋予他们的绘画一种象征意义，但大多数可能主要是作为艺术家创造熟悉物体幻觉的技巧的例子来欣赏的。

1939年，西奥多·w·h·沃德(1879-1955)为纪念他的妻子黛西·琳达·沃德(黛西·琳达·沃德，原名特拉弗斯)(1883-1937)将所有的画作赠送给了博物馆。黛西·w·h·沃德本人也是一位画家和歌剧演唱家。（手册可供访客使用）

亨利·范汀·拉图（Henri Fantin-Latour）（1836-1904）《玻璃酒杯中的白玫瑰静物，1872年》，布面油画～

1936年由w·f·r·韦尔登夫人遗赠。

芳汀·拉图是一位法国艺术家，他最著名的作品是花卉画。在芳汀·拉图尔所绘的三十多种花卉中，玫瑰是最常见的。这幅静物画是他将透明玻璃和玫瑰结合在一起的绝妙范例。为了达到这个目的，他经常使用英国的雕花酒杯。芳汀-拉图所采用的宽广的笔触与周围的荷兰和佛兰德的静物画形成了鲜明的对比，这些静物画在几个世纪前才被描绘得更加精致。

十八～十九世纪早期的英国吉他～

艾尔伯特·库普（Aelbert Cuyp，1620–1691年）《鸭子西杰根特，1647-1650》，油墨版画～

2018年，从私人收藏处租借。

西杰根特鸭是一只非凡的鸟。在她的一生中，她每年产一百多个蛋。西杰特根的主人特别喜欢她，并于1647年20岁时委托别人为她画了这幅画。所附的荷兰诗看起来好像是西杰特根的自述。第二个铭文悲伤地记录了她三年后的死亡。这一不寻常的事实是，西杰特根在一幅画中不朽，其中包括一首专门为她写的诗，这表明她一定是十七世纪最珍贵的动物之一。

以上介绍了阿什莫林博物馆第二层楼的46、47、48号展厅。

46号展厅是巴洛克艺术（1600-1700），充满了强烈的活力。其艺术特点是：运用夸张的运动和清晰可辨的细节来营造戏剧、紧张、繁琐、恢宏的效果。

47号展厅是德国和佛兰德艺术（Flamish Art）1400-1650。在十五世纪的意大利，人们对古罗马雕塑和建筑热情未减。十六世纪早期北方的艺术家开始回应意大利文艺复兴时期的艺术，把意大利绘画的最新潮流带回了他们的家乡。

48号展厅是荷兰和佛兰德的静物画（Flemish Still-life Paintings）。静物画起源于十六世纪，首先出现在意大利，主要与十七世纪的荷兰和佛兰德艺术家有关。静物画可能大多数是艺术家用来创造熟悉物体幻觉的技巧。

Ⅳ 文艺复兴前或者文艺复兴时期，有画过花卉比较著名的油画家吗 请告诉我画家和画的名字，谢谢。

15世纪到19世纪中叶的油画。特点：无论画面大小，都有一种很完美的情境。

（一） 文艺复兴时期油画

1、 乔托：意大利油画是欧洲油画发展的先声，文艺复兴初期的著名画家乔托，创作了许多具有现实生活气息的宗教画，被认为是欧洲绘画之父和现实主义画派的鼻祖。

2、 波堤切利：在线条、色彩、造型等方面的表现更为丰富，人物思想感情表现得更加细致，作品情绪性更加强了，更注重科学的比例、透视和空间关系，造型极其优美，象音乐一样。

3、 米开朗琪罗、达·芬奇、拉斐尔：将油画推进到高峰。写实体系更加完善，美和力感更强了。

米开朗琪罗：他的壁画，表现了非常丰富的人间世界，体现了文艺复兴时期充满着的矛盾与斗争。

达·芬奇 ：《最后的晚餐》、《蒙娜丽莎》使人感受到时代的气息、人文主义的气息。

拉斐尔：《西斯廷圣母》等圣母画像，表达了人文主义精神对人的外在、内在美、对人的尊严、对人的和谐的歌颂。

比较于南欧和谐与优美的风格，北欧的绘画更注重实在的、具体的客观世界的刻画，有很强的地方特色，对人物描写更注重性格。如尼得兰（现在的比利时）画家勃鲁盖尔等，虽也描写宗教题材，但处理成世俗的，农民般的生活场景。

（二）17、18世纪油画

表现人生、表现社会，内容更加深刻了，表现形式、艺术语言更加丰富了。

重要代表人物如：

佛兰德斯（今法国东北部和比利时西南部）画家鲁本斯，《抢劫留基伯的女儿们》（文字教材42页）；

荷兰画家伦勃朗；（教材43页）

西班牙画家委拉斯开兹；（教材43页）

法国画家达维特。（教材43页）

（三）19世纪70年代以前（18世纪）的油画，欧洲进入近代史阶段，尤其是启蒙运动和资产阶级大革命，使法国成为欧洲政治与文化的中心，也成为欧洲美术的中心。这一时期油画题材扩展了，思想内容丰富了、深刻了，艺术语言也较以前有了更大发展。著名画家与作品有：

法国新古典主义画家达维特：《马拉之死》

法国浪漫主义画派代表德拉克洛瓦：《自由神领导人民》

法国批判现实主义画派代表库尔贝：描写工人生活《画室》；米勒：描写农民生活《拾穗者》。

印象派油画：代表人物莫奈《日出·印象》。（教材44页）

描写现实的画家列宾《伏尔加河纤夫》。（教材44页）

西方现代油画包含两个主要方面：
在写实油画中体现现代人的感觉，给古典写实赋予新的精神内涵；
背离传统，背离写实的前卫性探索。
主要特征：
主要表现内心世界；
将某种形式因素抽取出来向极端发展；
突显多样化的、个性的美感，甚至有表现"丑"的；
以独特的艺术观念支配绘画，流派彼起此落。
古典向现代画过渡时期代表人物荷兰画家凡·高、立体主义画派代表人物西班牙画家毕加索、抽象派代表人物俄国画家康定斯基。

Ⅵ 学素描需要哪些书

素描，简而言之就是单色画。却又不尽然，毕竟素描涵盖与牵连的东西太多，解决的问题也太多，素描过程是同一时间要考虑许多问题的综合思维活动。当今美术院校各专业都把它作为基础课，虽然各专业的侧重点不同，油画重体积、调子，国画重线条，版画、设计重结构等；但素描的共性是差不多的。同时，素描作为独立的艺术种类，自有其独特的艺术价值，当然，专门的素描艺术家并不多，大都是兼职者，如诸位大师们，他们寥寥几笔的创作草稿就已经价值不菲，你根本不用分是基础性强的速写还是独立的艺术品。这些即便看似寥寥几笔的素描作品，其后面的功力也非常了得，有时随便一条起伏弯曲的线条，体现的却是艺术家对形体、结构、特征、节奏、韵味、艺术史的深刻理解与掌握，于其背后的艰辛也自然不言而喻了。

下面谈谈本人对素描的理解，又或者可以说是十几年来教与学的体会。下面几部分有内容上的交叉，这是素描的综合性决定的，每一部分只是素描综合体中的一个理解侧面，它们的关系是分解与重组。

1. 理解多少就能表现多少

总体来讲，素描是很理性的，素描的过程是脑、眼与手高度结合的人的活动。大脑是总指挥，充实的理性显得尤为重要；眼睛偏感性，生动、鲜活，但常常出现片面与误差；手只是实现脑眼商量的结果的工具，只要听话就行了，属于技术类（当然还有其它工具）。所以大脑要不断地学习与思考，只有思考才会有创新，会思考是人区别于动物的最大特征。首先，要学美术史，了解美术的发展过程，了解诸大师独特的成长过程、艺术理念、风格区别及技巧表达，经过不断评判思考后才能给自己正确地定位，促使自己更好地发展，从而避免茫然失措和重复浪费；学习素描就不能不学习达?芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、丢勒、鲁本斯、康伯夫，仅仅知道契斯恰科夫是不够的。解剖学、透视学诞生给素描注入了更多的科学理性因素，而解剖学、透视学这两门学科就需要花时间精力去学习与掌握，比如：表现一个人，仅仅了解表面的轮廓起伏而不知道其下的骨骼构造、肌肉走向作用及视觉上的透视变形是不行的；每画一条线、一个起伏都要能体现解剖学和透视学知识，这些内在知识能使素描作品更深刻、更完整。构图知识使素描作品更趋于完美和个性化，更有画面感、更有艺术性。对结构、特征、比例、形体、朝向、节奏、对比、点、线、面等要素的熟练运用与驾驭，无疑对素描的充分表达起到深度与广度的关键作用，几何概念的把握与深入塑造技能又起到画面的宏观与微观的调控作用。照相机的发明、网络时代的来临使素描从客观的世界中解脱出来，从而更关注后工业化人的思想情感的无限空间，素描更呈现多元风貌。

显然，拥有如此丰厚的知识储备，你就要做个优秀的指挥家 ，而且要在直觉、激情中尽情地艺术表现。

2. 基础·能力·素质

素描是造型艺术的基础，素描学习训练的目的在于培养学习者正确的认识能力、观察能力、造型能力、表达能力和审美能力，宽厚扎实的基础已经成为进入艺术殿堂必备的素质，就如同高楼大厦的根基，厚实、深藏、无华；也像武术中的站桩功，站都站不稳，“功夫”也只是个花架子。初学者学习素描一定得沉住气耐住寂寞，要能吃苦，要有难度意识，冰冻三尺非一日之寒，古人百步穿杨、庖丁解牛也非一日之功。但光凭理头苦干是不行的，要有意识地培养自己正确的观察与表现能力。观察方法通常指整体与比较，如：眯着眼睛看大体，在整体中比。而细节特别是精彩的细节却要瞪大眼睛地近距离观察，而且你描绘的如是正面，最好从侧面或顶部来观察物象，这样多角度的立体考察对表现物象的结构、起伏、特征、转折是有帮助的；要能敏锐地判断感悟到表达对象独特的形象特征、精神气质，能从平凡中发现美的形式、美的韵味，并能迅速地选择相适应的又是自己的方法加以表现、处理。素描作为一种绘画形式，有其自身的艺术生命力，单凭“基础”两字已难以容纳素描的全部意义，它不单是打基础那么简单。有时，培养良好的审美素质，可以为一生的艺术活动奠定基础。

3. 基本功与创造力

基本功好，是不是就创造力强呢？不一定。事实上很多优秀的艺术家的基础功并不很“扎实”，特别在艺术走出现代派进入后现代的当今，创新观念成为主流。但在我国，那种只顾埋头拉车不抬头看路的纯技术“人才”还大有人在，这也可以说是我们基础教育的一大通病。我们之所以要搞素质教育，现在又要推进基础教育的课程改革，主要是针对我们人才的创造力的普遍低下这一致命问题的。我们不缺扎实的基本功，而且可以说世界领先，我们缺的是领引世界的原创力。所以，处理好基础教学与创造性思维的培养两者之间的关系就显得非常重要。现在，有必要更新我们的基础观，打基础不只是死记硬背、机械重复训练，也可以是广泛的阅读、欣赏、见识、交流、合作、讨论、调查、综合、比较、怀疑、探究、想象、创造、逆向思维、发散思维、打破常规等，在日常学习生活中逐渐培养创造力。打素描基本功与训练创造力应该是可以同步的，因为素描负载着全部有价值的艺术信息，也包含创造力，艺术的本质就是“创新”，回顾一下美术史就清楚∶只有具备创新价值的艺术家才能被记载。所以，要做个学艺上的有心人。

4. 关于主动性

学习素描的主动性，一是指行动上的积极实践，二是指思维上的勤于探索。二者合二为一，光说不练不行，光练不想也不行。我们常说某人学习很主动、作品很有想法，就有这意思。即使是初学素描，也不能纯客观地再现，一定要加入自己的主观感受、理性理解和主观处理。以通过学习素描来感受生活、认识艺术。要用自己的大脑来思考，要用自己的眼睛来看世界。主动性是一种学习状态，一种会自觉寻求各种方式获得知识、能力的方法，要珍惜利用书店、图书馆、网络、美术馆、博物馆等学习资源，不要太依赖你的教师，要能积极自修，勤于动脑，放眼世界，要会主动地对各种信息进行知识分类、归纳、批判、取舍。在多元中不迷失自己，在前进中不断学习。

5. 到位与拉开

“到位”的内容包括构图、结构、特征、形体、比例、朝向、节奏、力度等等，到位是一种基本功、一种能力，它同我们通常听到的“准确”、“逼真”的意思并不完全相同。“到位”更多地是指主观感受、艺术上的到位，层次要高一些，主观的发展空间也大些，就是“真实”也只是艺术上的真实。“拉开”则是一种人文素质，一种主观手段，“拉开”的内容包括∶艺术语言、形体特征、黑白灰、主次、虚实、强弱、刚柔、浓淡、曲直、前后、疏密等，是更高意义上的简化与归纳，它比“到位”又更加主观、自由，是艺术家个体主观能动性的精神表现，是一幅成功素描作品的重要指标，是风格的俗与雅、格调的高与低的主要区别所在。

“到位”与“拉开”，相当于客观与主观、描写与表现、丰富与简练的关系；它们对立统一、相互牵扯；过分的“到位”显得沉闷、平庸，需要“拉开”来注入生气与活力；过分的“拉开”又显得花、碎、简单，需要“到位”加以整合，难就难在如何掌握这个“度”，或者说“恰到好处”，适当的“过点”也并无坏处。齐白石的“似与不似之间”理论也有这一层意思。

6. “黑白灰”的重要性

这里强调“黑白灰”概念的重要性，完全是出于多年经验的明证，因为它的确给我及众多学生带来许多好处。将素描或者所有色彩的学习、设计、创作中导入“黑白灰”概括手法，特别对于初学者将有事半功倍好的效果。具体的操作是：将表达的物象，不管有多复杂、多凌乱，在明度上都把他（它）们概括归纳为画面黑白灰三大块，这是一种对宏观整体的主观把握和有序组织，而任何一块又包涵许多层次（调子、体面），只是它们必须在“黑”、“白”或者“灰”的绝对统治之下；一般“灰”块的层面较为丰富，“黑”块的层面较为简练，三大块各自的面积具体而定，但必须得有。这样就可以很容易地克服画面的“灰”、“乱”、“脏”等初学者常见毛病，从而使作品的画面结构更加有力、层次更加分明、组织更加有秩序。

“黑白灰”是一种对画面主动的整体把握与控制，它的意义可能还会更多。

7. 线条的意义

世上本无纯粹的线条，苏派只承认点的连续排列（面）。然而，艺术就是艺术，是人的精神产物，虽然有科学性，但绝不能等同于科学的“真”，一加一并非等于二，艺术里是没有标准答案的。线条是主客观世界反映在艺术家精神世界的产物，线条是视觉艺术最基本的语言，是一种概括和“抽象”，它既古老又现代，而且永远不会过时；所以在素描世界里艺术家与线条是形影不离的，一出手就是线，更可以根据主客观的需要尽情发挥。线条的艺术表现力是非常强的，我们至今无不被千年前的敦煌壁画中飞天飘逸的线、以及永乐宫壁画中大气恢弘的线条所折服。线条不仅表现物象的轮廓、区域、结构、特征、转折（形体或两色之间）、节奏等，还可以表达艺术家的主观情感，当时的冲动、激情，是一种主观的高度提炼，有时成为作品中的灵魂所在，于是就有了线的硬实有力、线的行云流水、线的运动及线的旋律等。线条的运用其实很讲究，既理性又感性，并非“外形线”那么简单，线条要注意表达出物象的来龙去脉：线的前后穿插、线的粗细强弱，哪里该用？哪里不该用？怎么贯气、怎么疏密对比？都有学问。仅一个边线，就有造型、特征、空间、虚实、强弱等内涵的体现。线条应该比调子（面）层次高，因为它是艺术家主观的产物，是一种“精神表现”。

8. 调子是服务者

要端正一个认识∶不要为调子而调子，调子只是形体结构的服务者。就是说，即使用调子要体现内在的结构、起伏，要围绕形体结构这一中心来进行，反对用似是而非、模棱两可或者重无用处的调子；调子最好配合线条来运用，线条是外轮廓的高手，调子是表现内形体积、质感、层次的强者；如果线条是建筑中的地基框架，那么调子则是内外装饰，两者相辅相成、相互补充、相互促进。以前盛行的苏派素描，把调子推到至高无尚的位置，什么只有一个高光不用涂调子其余全都要涂调子，什么没有实际存在的线只有看不见的面啦，这种过于物理、刻板的教学理论体系，使得当时神州一片灰暗、软弱、无力。在艺术上，过度求科学的真就丧失自己本应有的许多特有的优势。

不过，调子还有一种功效：可以渲染背景气氛、调节画面节奏，使画面浑然一体，更加美整。

9. 强调“特征”的意义

在初学素描就导入“特征”概念，会有一种走捷径的感觉。“特征”包括在所表现的物象中，也包括作者所表达的艺术语言、风格。首先，形体结构与特征结合起来，就可生产“象什么”的第一印象，如某人看起来像苹果、像冬瓜、像剪刀，成语中“骨瘦如材”，还有俗称的“月儿眉”、“三角眼”、“大蒜鼻”、“樱桃嘴”等等；还可以用“外形特征”和“内形特征”来描述；“外形特征”可借鉴剪纸艺术某些技巧；其它的，如画面阴影、空白、发须、衣领、布纹等，总之，你认为值得描述的对象及细节，都可以有意挖掘其特征美；抓特征美就是人为的主观突出对象某些与众不同的特点，或重视某些画面可视的形，“宁过勿不及”，这样“严重”地对待，促使画面远看有视、近看有“形”，大的整体、小的局部都会显得耐看，有分量。“特征”的概念，在素描表现中应该是贯彻始终的。

10. 重视“修改”

这里的“修改”类似于一般意义上的调整，所不同的是：调整大都基于常规的循序渐进，而“修改”则是基于主动表现中的果敢、直干；因为敢画、敢错，才有“修改”的必要；而每一次的“修改”都是一次思索、进步的过程，有时大刀阔斧的“修改”竟是一种升华、或是一种起死回生。因此，不用怕脏、不用过分地小心谨慎，要敢做敢为；不用担心留有改过的痕迹，这痕迹应该是前进的足迹。

“修改”是一种脚踏实地的学习态度，一种自信进取的学习探索。初学者常常一错就重来，总想立竿见影、急功近利、一鸣惊人，却不知是一种浮躁的表现。

以上诸言，虽然本人屡试屡灵，但也只是一家之言，难免片面、失准；不过也算是肺腑之言，自以为在多元化能够并存的今天应该还有它的位置，因为，有关素描教学的讨论永远也不会结束。

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初学美术正规训练范画速写

很多初学绘画者，包括有些已经进行过一些素描训练的学画青少年想画速写，总感到无从下手。在与这些初学绘画者的接触中，我总是尽量告诉他们一些速写方面的训练方法，但是有更多同样需要这方面知识和技法的初学绘画者，我无法接触到。他们中有许多人由于学习条件所限，没有机会接触这方面的老师。为此，我想借这次出版机会，将自己十几年来的一些速写教学心得和方法整理编写出来，献给那些有志于学画的青少年，为他们的学习助一臂之力，使他们在速写学习的过程中少走弯路，掌握正确的学习方法，接受到较为科学的速写正规训练指导。

学画难吗？美术教育家徐悲鸿先生曾说过，有中等以上智力的人，通过努力，都能学好绘画。看来只要肯努力，钻进去，逐渐摸到规律，原来感到难的问题也就变得不难了。在初学绘画的青少年中，有的人儿童时代就画过儿童画，有的临摹过卡通画、连环画等，有的虽然没有动手画过速写，但一直对速写很感兴趣。这些都是通向速写专业训练的良好开端。

速写是在较短时间内迅速将对象描绘下来的一种绘画形式，它具有收集绘画素材、训练造型能力两大方面的功能。速写最能表现出绘画者敏锐的观察能力和对物质世界的新鲜感受，画面生动感人，是速写的一个显著特征。因作画时间短，在描绘对象时，放笔直取，它可随时描绘我们周围生活中的任何物象，特别擅长描写运动中的对象和转瞬即逝的动态。速写描绘的题材远远超出课堂上素描练习内容的范围。所以，常画速写能使我们养成注意观察周围生活的良好习惯。长期坚持画速写，可为日后搞美术创作和美术设计积累下丰富的艺术素材。速写又是一种锻炼动手能力的良好训练方法。我们提倡从学画阶段开始就养成画速写的良好习惯。有些内容的速写训练又可以理解为素描的短期作业形式，在进行相对长时间的素描训练的同时，多画速写，做到长、短期作业穿插进行，是绘画基础训练的一种良好方法，因此，速写又是一种对素描训练的辅助练习形式。

有些绘画大师，如十七世纪荷兰画家伦勃朗、十八世纪英国画家荷加斯、十九世纪德国画家门采尔等都是速写方面的高手，我国许多著名画家在速写领域也取得了很高成就，形成了独特的个人风格。如叶浅予、阿老、黄胄、刘文西、周思聪等。他们中间有的从没有机会进入正规美术院校学习，而是以速写作为绘画训练的基本形式走上成功之路的。有志于学习绘画的青少年，只要肯努力，保持高度热情，勤学苦练，多动脑筋，方法得当，持之以恒，就一定能画好速写，为绘画学习打下坚实的基础。

速写要求在较短的时间内画出所需要表现的对象。所以，以线条形式来描绘形象，是速写表现中最直截了当的一种方法。线条除了具有描绘对象形体的功能外，其自身还具有艺术表现功能，它可体现出丰富的内涵，如力量、轻松、凝重、飘逸等美感特征。作者在画速写的时候，会不知不觉将自己的艺术个性，通过线条的运用而流露出来。以线造型是速写中最常用的表现形式。除此之外，线面结合也是常见的形式之一。有时在结构转折处衬些明暗调子，能增加速写艺术的表现力，使画面的气氛更加变幻丰富。除以上两种形式外，纯明暗的速写较少见。当然有些画家因追求自己画风的需要而作这样的形式探索也是有的。但这不能成为初学速写者训练过程中追求的目标。

本书主要讲授速写的一些基本知识和训练方法，试图在初学者对绘画的一般兴趣和写实造型规律之间架设一座桥梁，愿大家一起走进绘画学习的专业训练阶段。

速写的工具与材料

速写用的笔，初学者可选用2B型号的铅笔或炭笔，因这两种笔在速写训练过程中较易掌握，待有一定基础后也可用钢笔和毛笔作画。
速写用纸没有什么特别讲究，70克左右的普通白纸即可，也可用新闻纸（印报纸用的纸），新闻纸适宜用炭笔作画。初学者可利用各种零散纸练习。现在一些美术品商店出售专门的速写本，这为速写练习提供了更多的方便。
另外，外出画速写时，应准备一个小画板或小画夹。

绘画是一种将长、宽、深三维空间中的立体物画到长、宽二维平面的纸面上，但又要产生准确、真实的立体感的表现形式，因而绘画艺术离不开透视知识的运用。

一般来说，透视形式主要有两种，即平行透视和成角透视。平行透视是指所画立方体的某一立面与画面相互平行，这个面不发生透视消失现象；成角透视是指立方体的相互垂直的两个立面都与画面成一定的角度，在画面上，两个立面都发生透视消失现象。
视平线是指与人的眼睛等高的那条水平线。心点是指作画者垂直于画面上的那一点。

速写训练的基本方法

速写训练是对学画者观察能力、分析能力、理解能力和表现能力的全面训练。速写训练中对观察力的训练，不仅要训练眼睛看得准，还要训练在作画时有正确的观察方法。什么是正确的观察方法？一般说来，以我们平时看东西的习惯来作画，往往是看到哪里画到哪里，这是一种局部的观察方法，用这种看一点画一点的观察方法作画，不能做到表现对象的本质关系。我们要画好速写，就要改变这种局部观察的习惯，学会整体观察的方法，养成整体观察对象各种造型结构关系的习惯。这种整体观察方法要求在作画时观察对象要有整体意识，在画某一点、某一局部时，不要只盯着一点看，而是要将所画的这一点、这一局部与其他部位相互比较，对所要画的局部与其他部位的上下左右关系及它们之间的内在结构关系做到心中有数，从整体关系下笔。这种比较的过程，实际上就是整体分析和理解对象的认知过程。正确的观察方法，只有通过大量的练习，才能逐步真正掌握。速写训练是练眼、练脑同时又是练手的过程。绘画是一门技艺性很强的艺术，下面就速写训练的一般顺序及一些学习方法和作画步骤进行阐述。

一、由简到繁
初画速写，可先从较简单的描绘对象入手。如一个小木凳，一双随便摆放的雨靴，一件挂在墙上的衣服。作画时先画对象外形轮廓的大关系，用直线画出基本形，注意线条的长度比例及各线条的倾斜度。在此之后，再充实些细节。例如画一张凳子，凳面与凳腿的关系是大关系，而榫头及局部特征等都是细节，这些细节可在进一步深入阶段逐渐画完。
“繁”的物象是指结构关系较复杂的对象。如：枝叶茂盛的大树、衣纹繁多的人物等，作画方法也和画“简”的东西一样，先从大的方面入手，确定了大的关系后，再充实细部。要将复杂的物体理解为是由各种简单部分组成的，然后将各简单部分画在复杂的大关系之内，这样完成起来就有条不紊。画复杂物象较难处理的一点，就是整体与局部的关系。画各个细部时，要注意到它们各部分之间的关系，同时还要照顾到整体的大关系，不要因描绘细部而使整体显得琐碎。只要我们把握好先画大关系，后充实细部的原则，画“繁”的对象便不会感到困难。
由简到繁的训练从大的题材上讲，可先画花卉，后画树木风景，最后画人物。

二、由静到动

初画速写，应先从静止的对象画起，稍熟练之后，再描写处于运动状态下的物象。静止的物体或处于不动状态下的人，有利于初学速写者在作画时能从容地观察对象，反复比较所描绘对象的各种结构关系，使初学速写者能在认真研究描绘对象各种结构关系的基础上下笔。作画时用线要肯定，线条是为了表达对象的形体关系，交待清楚结构造型而画的。线条的来龙去脉要有根据，这个根据就是被描绘物的结构。

初学速写者在作画时应将所画的速写与描绘对象进行反复比较，从而纠正画得不准确的部位。速写造型练习的最佳描绘对象就是静止的物象和不动的人物。我们看到许多速写范画，一个轮廓有时有几根复线。这就是对作品进行矫正而产生的痕迹。

画动的物象，如动态人物、动物等，需要在掌握一定的静态速写的基本功后再结合结构规律、运动规律加以训练，这样画起来就容易得心应手了。有关动态速写的注意事项及作画步骤，在后面的有关部分将会阐述。

三、由慢到快

画速写并不像我们有些初学者所想象的那样，下笔如写草书，一挥而就。因为画速写的过程，是一个对形体观察、理解、表现的造型过程。这一过程，初学者须仔细体会，扎实描画。逐渐熟练了，画速写的速度就会快起来。初学者应先画慢些，如人物速写每幅可在45分钟至1个小时左右完成，以后可逐步过渡到半小时画一张或一刻钟画一张。并且在训练过程中还要不时的将慢、快训练方法穿插进行，这样才能在速写训练中既得到扎实的练习，又掌握到速写的一些方式方法。

四、从描绘有规律的对象到描绘无规律的对象

初学速写者首先要画一些有规律的对象，这样有利于把握造型的准确性，并掌握速写的一些技巧。描绘有规律的对象，可先画一些基本形明确的花卉和重复出现的有规律的人物动态。在掌握了一些速写基本技法之后，再画一些无规律的对象，如杂乱无章的灌木丛，转瞬即逝的不规则的人物动态。有规律的对象较易把握，通过中轴对称性原则，可以获得较准确的轮廓。而规律感不强的对象，则较难把握，需要有一定速写基础后，方可对之速写。

五、临摹与速写相结合

学画速写的过程，应该是临摹优秀速写范画与对着对象写生相交替进行训练的过程。临摹的目的是为了学习前人的技法，如对形象的概括、取舍、交待结构以及一些用笔用线的技巧等等，尽可能在临摹中获得体会。另外，类似速写形式的优秀的线描画、连环画都可以临摹。通过临摹可以学到一些概括形体、处理衣纹、疏密穿插等方面的速写技法。另外在初学速写的过程中还要多临摹优秀的艺用人体解剖图谱，以求在临习的过程中掌握人体的基本结构知识。要做到临摹与速写反复交替进行，这样临摹才能有体会，才能将临摹中学到的东西运用到速写中去，真正变为自己的东西。