山茶花技法

1. 日本都有哪些文化

在日本有著名的“三道”，即日本民间的茶道、花道、书道，还有相扑，和服等文化。

其文化如下：

一、茶道

茶道是一种独特的饮茶仪式和社会礼仪。

现代，茶道被用作训练集中精神，或者用于培养礼仪举止，为一般民众所广泛地接受。

日本国内有许多传授茶道各流派技法的学校，不少宾馆也设有茶室，可以轻松地欣赏到茶道的表演。

(1)山茶花技法扩展阅读：

日本文化由来：

从1996年开始中日两国考古学和人类学多次证实日本民族是主要由西伯利亚通古斯人、古代中国汉族、古代中国南方沿海人和少量的长江下游的吴越人、少量南洋群岛的马来人以及中南半岛的印支人融合而来。

日本文化融合：日本原来是没有文字的，所以一直使用中国的汉字，日本语言口音中80%左右是汉语的变音，日本的语言语音主要来源于商周时期到清朝的多时间段多层次的中国汉语方言口音及中南半岛的印支人口音等融合而来， 因此日本文化受到了中国的深刻影响。日本吸收中国文化是多方面的、长期的几千年的历史过程。

参考资料：网络-日本文化

2. 元青花瓷的纹饰知识

认真学过历史课本的我们都知道，青花瓷生产于唐代，兴盛于元代。我们在电视上通过一些鉴宝的栏目，对青花瓷的认识和价值也有初步了解，并且，对元代的青花瓷在市场上的价格也是惊叹。当然，通过电视或者书面资料，我们看到的青花瓷外观漂亮，色彩艳丽，优雅，风格不一。用料细腻均匀，瓶身的花纹和图饰更是让人称赞不绝。那么，小编来为你仔细介绍一下，元青花瓷的纹饰吧。

元青花瓷的纹饰知识

(一)装饰技法

青花与刻花、印花、瓷塑、浅浮雕等多种技法相结合，绘画充分发挥蓝白的艺术效果，有白地青花、蓝地白花或青花线描为地几种风格。在装饰时，工匠结合不同器型采用不同技法，有的用两种、三种方法配合或几种方法集中于一体，刻花线条粗犷有力，印花线条圆润耐看，浅浮雕效果立体感强。此外应该注意的是，元青花纹饰绘画方法以平涂为主，结合勾、皴、点、染技法，线条苍劲有力，显示出元代工匠高超的绘画才能。

(二)构图方法

大致可分为饱满和疏朗两类。

饱满类型的装饰，无论圆、琢器，全器被青花纹饰所覆盖，有的器身布满青花纹饰达8层之多，以此突出表现元青花的壮美之感。元青花饱满型装饰的另一种表现形式是通体以卷枝纹或海水纹为地，突出白色的花纹或在地纹上作菱形曲线开光，开光内绘一主题纹饰。这种饱满设计方法多在八棱器上体现，看似繁缛，实则安排有序，具有强烈的美学效果和时代风格。

(三)纹饰题材

元青花的主体纹饰中，植物类有：牡丹花纹、莲花纹、菊花纹、松竹梅纹、月梅纹等。除以上主花外，在组合图案中还出现牵牛花、山茶花、海棠花、月季花、枣花及萱草、灵芝、芭蕉或竹石葡萄、瓜果、草虫等作画面衬托。动物类有：龙纹、凤纹、麒麟纹、鱼藻纹、鸳鸯卧莲纹、孔雀纹、鹿纹、海马纹等。其中元代龙纹极具特色，身躯细长如蛇，龙头呈扁长形，双角，张口露齿，细长颈，四腿细瘦，筋腱凹凸，爪生三指、四指或五指，分张有力，肘毛、尾鬃皆呈火焰状。

元青花瓷的纹饰题材

主体纹饰

元青花的主体纹饰中，植物类有：牡丹花纹、莲花纹、菊花纹、松竹梅纹、月梅纹等。除以上主花外，在组合图案中还出现牵牛花、山茶花、海棠花、月季花、枣花及萱草、灵芝、芭蕉或竹石葡萄、瓜果、草虫等作画面衬托。动物类有：龙纹、凤纹、麒麟纹、鱼藻纹、鸳鸯卧莲纹、孔雀纹、鹿纹、海马纹等。其中元代龙纹极具特色，身躯细长如蛇，龙头呈扁长形，双角，张口露齿，细长颈，四腿细瘦，筋腱凹凸，爪生三指、四指或五指，分张有力，肘毛、尾鬃皆呈火焰状。

辅助纹饰

元青花的辅助纹饰品种繁多，有图案性质的写实内容或几何纹样。明以后，青花瓷纹饰大多沿袭元青花画法，但略见变异。这种差别在辅助纹上有更为明显的反映，是鉴别元青花的重要佐证。

菱形

元青花上的菱形饰带画于盘的口沿或作瓶罐纹饰的间隔。圆口大盘一段用菱形饰带装饰边沿。每一单体为两个菱形套叠，有的在其间填青。内菱形中心和四边各有一点。

蕉叶

元青花上的蕉叶纹来源于商周青铜器的纹样，饰于瓶颈和下腹部。叶的中茎画至叶尖，一笔画成或两笔画成后填色。叶的边沿用细线勾勒后填色。叶脉细线勾勒。有单层和前后双层两种画法。

明初蕉叶纹中茎用两条平细线画至叶尖，不填色，永乐起叶的中茎已不到叶尖。叶纹细密如鱼骨。叶边如锯齿般尖细，轮廓线用复笔加粗。一般为前后双层画法。

当然，元代青花瓷的纹饰不仅仅上述介绍的那么简单。作为青花瓷的盛行时期，无论是工艺还是技法都是达到了巅峰，以至于现在的生产都无法超越古人对元代青花瓷的智慧。在了解元青花瓷的纹饰后，我们可以去博物馆或者有青花瓷的展厅去好好观赏真品实物，想必一定会佩服元青花瓷的精彩，不只是纹饰方面的称赞，并且不同的纹饰具有不同的寓意在里面。

以上就是有关元青花瓷的纹饰的相关内容，希望能对大家有所帮助！

3. 香奈儿山茶花腕表好看吗chanel山茶花手表怎么样

chanel香奈儿新推出的山茶花系列腕表非常好看，很精致的设计，山茶花可以说是香奈儿的标志了。下面我给大家讲讲香奈儿山茶花腕表好看吗？chanel山茶花手表怎么样？
香奈儿山茶花腕表好看吗
时值Premiere系列腕表推出30周年，香奈儿在高级制表领域再添臻品，呈献全新Premiere山茶花镂空腕表。此款卓尔不凡的腕表配备香奈儿第二款自制机芯Calibre 2，几何镂空的构造惟妙惟肖地雕刻出山茶花的灵动优雅。深黑色的镂空机芯镶嵌了甄选宝石，独一无二、匠心独具，诠释了品牌的又一经典元素。Calibre 2机芯由巴黎芳登广场的创意工作室提出最初设想，再由香奈儿位于瑞士的腕表工厂Chatelain构思、研发、调配和组装而成。它别具匠心的理念和设计彰显了品牌对无限创意的不懈追求。

香奈儿山茶花手表怎么样
一直以来，山茶花系列腕表总能带给我们新意，因为它的表盘设计采用了不同的技艺。今年的巴塞尔新品上，山茶花系列腕表表盘用到的则是莳绘工艺。长篇大论过后，我其实想告诉大家，文章想介绍山茶花手表在今年和去年表盘上用到的两种工艺。表盘展示了香奈儿一生最钟爱的山茶花，而表盘工艺则采用了“针画刺绣”这一技法。黑色表盘上面红、粉、白丝线游走构成层次分明的山茶花花瓣。我隐隐记得有句话是这样说的，“奢侈品已经过时，高定才是大咖”。对于崇拜传统国粹的我来讲，这款手表已经达到我心中高定的水平了啊。

香奈儿手表Camellia旋转山茶花表盘腕表同样以山茶花为创作灵感的这款手表，18K白金表壳，直径37.5毫米，厚10.7毫米，镶嵌60颗明亮式切割钻石。采用了黑色涂层蓝宝石水晶表盘，特别之处是5 点钟位置的钛金属山茶花，其上镶嵌有11 颗白钻及16 颗黑钻。黑色缎面表带，针式表扣镶嵌80颗明亮式切割钻石。作为表盘装饰的一部分，这朵山茶花还起到了秒针的作用，每60 秒旋转一周。它是由瑞士“偏心秒针”专家Dubois-Dépraz 为香奈儿开发的一个特殊机械模块，与机芯联动。在这个60 秒旋转一周的机械模块上，转动不息的山茶花图案使得整体设计更为活泼生动。两枚完全镂空的叶形指针，给这幅高雅细致的画面增添了时间的韵律。

香奈儿品牌介绍
创始人Coco Chanel(原名：Gabrielle Bonheur Chanel ;中文名：加布里埃·可可·香奈儿)于1910年在法国巴黎创立香奈儿品牌。该品牌产品种类繁多，有服装、珠宝饰品及其配件、化妆品、护肤品、香水等，每一类产品都闻名遐迩，特别是香水与时装。 香奈儿(CHANEL)是一个有着整整百年历史的著名品牌，其时装设计永远保持高雅、简洁、精美的风格。Coco Chanel善于突破传统，早在20世纪40年代就成功地将“五花大绑”的女装推向简单、舒适的设计。香奈儿一生都没有结婚，她创造伟大的时尚帝国，同时追求自己想要的生活。其本身就是女性自主最佳典范，也是最懂得感情乐趣的新时代女性。她和英国贵族ETIENNE BALSAN来往，对方资助她开第一家女帽店，而另一位ARTHUR CAPEL则出资开时尚店。她与西敏公爵一同出游，启发设计出第一款斜纹软呢料套装。生命中每一个男性都激发创意的泉源，她不是单靠幸运，而是非常努力认真的工作!甚至一直到70多岁的高龄她都还复出视事。香奈儿集团在1983年由Karl Lagerfeld出任时尚总监，但至今每一季新品仍以香奈儿精神为设计理念，香奈儿——永远的香奈儿。

4. 日本花道文化习俗

日本花道最早来源于中国隋朝时代的佛堂供花，传到日本后，其天时，地理，国情，使之发展到如今的规模，先后产生了各种流派，并成为女子教育的一个重要环节。各流派其特色和规模虽各有千秋，但基本点都是相通的，那就是天、地、人三位一体的和谐统一。这种思想，贯穿于花道的仁义、礼仪、言行以及插花技艺的基本造型、色彩、意境和神韵之中。

花道并非植物或花型本身，而是一种表达情感的创造。因此，任何植物, 任何容器都可用来插花，任何人都可能漂亮地完成插花。花道通过线条、颜色、形态和质感的和谐统一来追求“静、雅、美、真、和”的意境。因此，从深处看，花道首先是一种道意，它逐步培养从事插花的人身心和谐、有礼。其次花道又是一种综合艺术，它采用园艺、美术、雕塑、文学等人文艺术手段。花道还是一种技艺，可用来服务于家庭和社会。最后花道是一种易于为大众所接受的，可以深入浅出的文化活动。 插花并不讲究花材的数量和花的华丽。在古代和现代的一些茶室里，只插上一枝白梅或一轮向日葵等简单的花草就能营造一种幽雅、返朴归真的氛围。另外插花的优劣还取决于插花的形态和不同的花材所呈现出的不同的精神。如蔷薇花象征美丽与纯洁，百合花代表圣洁与纯真。梅花象征高洁与坚毅，兰花高雅，被誉为“花中君子”，牡丹雍容华贵，杜鹃花婀娜多姿，桃花妩媚芬芳、荷花出污泥而不染，象征高尚品德。而热爱大自然的日本人最爱的还是樱花，因为这是大和民族精神的象征。编辑本段花道内涵
“生花”（Ikebana）这个词通常被翻译为“日本花道艺术”，但是花道中使用的材料却包括树枝、葡萄藤、树叶、草、浆果、水果、种子和花，当然也包括干枯的植物。事实上，任何自然的物质都可能被使用。当代花道之中，甚至玻璃、金属和塑料都被人们使用。作为日本的一种传统艺术，花道形成了自己特有的象征语言和装饰概念；在花道中使用自然的、生命短暂的花卉和枝干使得时间维度成为创造活动的一个不可分割的组成部分。在花道的实践中，材料之间的关系、排列和布置的风格、容器的大小、形状、质地、容量和颜色、展示的地点和场合等等都是至关重要的因素。在500年的历史过程中，曾经出现过不同形式的花道艺术，从家庭里不起眼的点缀，直到浩大的景观和足以占据整个展览大厅的创新的雕刻作品。当代日本花道，一方面表现形式多样；另一方面人们还在继续研究，使用传统的形式。另外，花道被当作针对四季的变迁、时间和变化进行冥思的一种形式。花道的宗教根源和它与生老病死的自然周期的紧密关联，使得花道具备了深刻的精神内涵。编辑本段花道历史
来源
日本列岛气候温和，四季变化明显，为花草生长提供了优惠的条件。春、夏、秋、冬都有大量应季的鲜花开放，为美丽的大自然增辉。对于日本人来说，在用鲜花装饰室内的习惯养成之前，他们就已同鲜花结下了不解之缘。有时随时代的发展不断变化。日本人的祖先对充满生命力的花儿抱有一种恐惧感。似乎花儿是神灵的再现。对花儿的这种认识至今仍反映在日本的祭祀仪式当中。如日本大神神社的镇花祭、京都今宫神社的安息祭就属于这一类。人们相信樱花是神的意志的表现，所以创造了诸如上面提到的民间祭祀。 人类本身具备美的意识，花儿的娇美，使人们的注意力逐渐转向审美的一面。利用花儿的美丽装饰环境。花儿成为欣赏的对象。 佛教经典中有不少关于供花的记述。供花包括撒花、花蔓、玷花。撒花是印度人迎送 客人时的礼俗。花蔓用于头发装饰及脖颈装饰。传说释迦牟尼就是玷莲花传授佛教真谛的，可见佛教与花儿的关系，从一开始就已经十分密切了。供花成为建立功德的表现。衣械（将花卉插在宝瓶内）、宝瓶花（只插莲花等花枝）等插花法同佛教一道、由中国经朝鲜传入日本。最初只是在寺院内流传。随着净土信仰的出现，供花的习俗也传入民间。可同时体现过去（结果实）、现在（开花）、未来（蓓蕾）的莲花成为供花的主要材料。鲜花除了作为神圣的供花以外，也是深受人们喜爱的欣赏之物。 日本室町时代至战国时代，以装饰壁画、书院、搁板为主的鲜花称为“挂花”。这些鲜花均摆放在日本人认为十分神圣的地方。一瓶鲜花形成一个整体。这个整体再现了大自然的风情，因此，阴阳和季节的感觉十分重要。日本天应年间，专应（人名）将插花的构想具体化。专应的后代专荣在整理茶花构成法的基础上，又提出了真、副、副请、真隐、见越、流枝、前置即“七种工具插花法”。日本天正年间至元和年间一直很有名气的第一代专好及宽永年间十分活跃的第二代专好又使插花枝艺有了很大的发展，技法更加复杂。在七种工具的基础上又推出了扣、侗作、大叶、后围、木留、草留、会释。第二代专好强调立花的基础为“真”。以“副”和“请”求对称。以“流枝”和“扣”求均衡。以“见越”和“前置”求远近。由于插花技艺的进步，使插出的鲜花比真花的姿态更富有变化，出于自然美又超出自然美。专好父子的插花技法经后人整理、发展，正式称“立花”。
发展
日本自然景观的多样性和古老的农业生活方式为日本花道的发展提供了背景舞台。在六世纪时，自中国传入日本的佛教中就有向佛像和死去亡灵供花的风俗，它对日本花道的发展起到了尤其重要的作用。供花由三支花干以一种简单，对称的方式排列。但是，到了十七世纪早期，池坊宗的佛教弟子创造了一种复杂的供花造型“立花”。“立花”的字面意思为“站立的花”， 这种细腻的艺术形式往往需要高超的技术技巧，并在高高的铜花瓶中得到充分的展示：代表着“天”或是“真理” 的主干通常先是非对称的伸向左或右方，然后弯曲着回到中心对称轴上；具有各自的象征意义和装饰功能的其他大量的枝干则从中心(整个花束的虚拟球心)伸出。作为一个整体，立花作品的整体造型即为整个宇宙的缩影。立花的重要特征 - 非对称性、象征性和空间深度 - 对于以后日本花道的发展产生了深远的影响。 “茶花”（chabana）则与“立花” 截然不同，它起源于十六世纪茶道（chanoyu）的一部分。“茶花”只需要一个小的花器和一、二朵花或花枝。在“茶花”的基础上，诞生了一种新的自发的造型即投入花（nageire）。投入花 常常将少量的花材，随意的投入深深的花器中，利用巧妙的技术展示出一种朴素、诗意化的自然美。 “立花”和“投入花”对花道在其后的发展做了有些相反的限定：“立花”强调精细的技术方法、宏大的规模、象征主义和固定的风格； “投入花”的特点则是自发性、简单性、暗示性以及对材料的自然特性的尊重。这两种迥然不同的造型之间的矛盾将导致日本花道艺术中更多的革新。 在江户时代（1600－1868年），日本国泰民安，经济得到了稳步的发展。曾经仅仅限于佛教弟子、贵族和王族成员的日本花道艺术，逐渐地在日本武士阶层、富裕的商人和包括妇女在内的其他人中得到了广泛的传播。在这一时期，“立花”越来越显得呆板和公式化，而一种被称为seika或shoka（“生花”， 都用同样的汉字书写）的更为简单的造型出现了，并迅速得到了更为广泛的传播。 虽然还是有点正式，但是已经在不对称的三角形的基础上，使用了三枝结构。 尽管许多新的流派创造了形态各异的造型，但是，其中传统的三枝干结构形式，逐渐被认为分别代表了“天（ten）”、“地（chi）”、“人（jin）”。 这种结构上的变化渐渐成为所有花道教学中的基础，甚至在众多的现代花道流派中也是这样。 这一时期花道的另一重大发展，是一种新的排列方法，即“文人花”的出现(bunjin-bana)， 这种样式的花道主要为了表现当时中国学者和画家的情调。 它对从“茶花”中发展出来的“投入花”造型产生了重要的影响。由于文人花道传递的是个人的情感，这种排列方法不可避免的具有非正统性、随意性。这种随意性与茶室的严谨性和“立花”或“生花”的正规性有着很大的区别。由于供花起源于中国，这就为日本花道增加了丰富的色彩和细腻的文学韵味。
现代花道

花道比赛
明治时代初期（1868－1912年），日本面向西方敞开了国门。这种门户开放给日本国民生活的各个方面带来了翻天覆地的变化。在花道艺术方面，由小原流的创立者小原云心创造的花道造型“盛花”（moribana，字面意思是堆积花）给这门艺术带来了彻底的革命。在以前的所有传统造型中，花材都是集中地从花器的同一点伸出，而小原则使用了各种各样的支撑物，因而可以在“水盘”（suiban，一种阔而浅的花器）的更为广大的范围内排列剪枝。这种方法使得与传统造型不相容的其他新的材料得以使用，同样也促成了景观造型（shakei）的出现。景观造型是以一种自然主义的方式，而不是象征的手法描述了自然美。此段时期，另一位采用了“盛花”造型的重要的改革者是阿立曙（1887－1969年），他将他的造型描述为仅仅具有 “装饰性”。 伴随着许多现代化流派的出现，花道改革如火如荼地进行。 草月流的创立者勒使河原苍风（1900－1979年），提倡花道作为一门现代艺术应该鼓励自由、创新的表达方式。战后期间，许多先锋派作品（前卫生花）吸收了抽象雕刻和超现实主义方法，扩大了作品的规模和使用材料的范围，这就大大加强了花道的表现力。另外，传统流派，例如：池坊流在保持自己经典造型以及对“立花”和“生花”做了现代改进的基础上，在课程安排上增加了更多新的花道手段，包括“盛花”等。日本当代的花道舞台由三个著名的流派所占有：池坊流、 小原流和草月流，每一派都拥有超过百万的弟子。除了这三个流派，日本还有成千个大大小小的花道流派。其中较大的流派在世界各地都建立了分会和学习团体。1956年， 代表各花道、各流派的利益的组织－花道国际－在日本东京成立，这一组织的成立促进了花道艺术在全球范围内的发展。 在日本，花道艺术已经成为许多不属于任何特定流派的普通人士，日常生活中不可分割的一部分。各种花道造型装点着普通人的家庭生活，在一些特殊的时刻和节日中，人们则采用某些特殊的材料表达了美好的愿望。在新年，代表永恒的长青松，尤其受到插花者的欢迎，并且通常和竹子搭配使用，表达了人们青春常驻的美好祝愿；杏花则适合送与受尊敬的老人；三月三日，为日本传统的偶人节（“雏祭” ），也被称为女孩节，人们常把桃花和传统的木偶搭配在一起展示，表示内心的祝愿；在儿童节（五月五日）的花道造型中，多用蝴蝶花代表男性力量；七月七日，星星节的造型“棚机”是用竹子作为装饰的一部分；九月，人们集会赏月（“月” ）时，用南美洲草来做花道造型，代表了萧瑟的秋天。
艺术形式

立花
（たちばな）是书院壁龛的装饰花，它起源于佛教的供花。供花由三枝花干以一种简单 、对称的方式排列。但是，到了室町时代，池坊宗的佛教弟子创造了一种复杂的供花造型——立花。立花的字面意思为“站立的花”，它采用的是松树、桃花、竹子、柳叶、红叶、扁柏等。之所以称为立花，是从草木升高的姿势而采取竖立的形态。要用铁丝来调整花木素材的姿容，其意图在于再现一种自然的景致。这种的细腻的艺术形式往往需要高超的技术技巧，并在高高的铜花瓶中得到充分展示。代表着“天”或是“真理”的主干通常先是非对称的伸向左方或右方，然后弯曲着回到中心对称轴上，具有各自的象征意义和装饰功能的其他大量的枝干则从中心（整个花束的虚拟球心）伸出。作为一个整体，立花作品德整体造型即为整个宇宙的缩影。所以，立花的重要特征是非对称性、象征性和空间的深度性。它强调精细的技术方法、宏大的规模、象征主义和固定的风格。立花是花道的核心，它对于以后日本花道的发展产生了深远的影响。
生花
在日本的江户时代（1600~1868年），整个日本国泰民安，经济稳步发展。曾经仅仅限于佛教弟子、贵族和王室成员中流传的日本花道艺术，逐渐地在日本武士、富裕的商人和包括妇女在内的其他人中得到了广泛的传播。在这一时期，立花越来越显得呆板和公式化。这时，一种被称为“生花”的造型开始出现，并且迅速得到了更为广泛的传播。所谓生花，就是使鲜花保持生命力的一种表现方法。生花使用的全部是鲜花。它主要被放在壁龛上。生花与盛花、投入花不同之处在于生花的器具象征着大地。生花主要表现的并不是花木局部的美，而是伸展开来的生命力。品格高尚，绚丽、端正是生花的特征。
投入花
投入花是一种自发的造型。这种插花法常常将少量的花材随意地投入深深的花器中，利用巧妙的技术展示一种朴素、诗意化的自然美。一般有三种形式，即吊在壁龛上、挂在柱子上和放在壁龛下面。投入花的特点是强调自发性、简单性、暗示性以及对材料的自然特性的尊重。
盛花
盛花是将花材用一个针状的架子（剑山）排列在一个浅盆中，粗壮的枝干要呈对角线斜着剪下，使枝干的末端纵向分裂，这样便可很容易地插入到针状支撑物中。而花和其他比较柔软的材料最好是水平剪下，然后将它们垂直插入针状物中，再向前或后弯曲成所需要的角度。盛花是由小原流派的创立者小原云心创造的花道造型，字面意思是堆积花。盛花给花道带来了彻底的革命。在以前的所有传统造型中，花材都是集中地从花器的同一点伸出，而小原则使用了各种各样的支撑物，因而可以在更为广大的范围内排列剪枝。这种方法使得与传统造型不相容的其他新的材料得以使用，同样也促成了景观造型的出现。景观造型是以一种自然主义的方式，而不是象征的手法描述自然美。明治末期，由于西洋花的栽培和西洋建筑的增加，才出现这种不限于壁龛装饰的盛花插花法。可以说盛花是现代插花艺术的主流。编辑本段方法技巧
选择合适的花材
插花中使用的植物必须有足够的水分才能维持尽可能长时间的新鲜。要保持植物的新鲜需要采用多种技巧。这些技术包括：对花茎根部进行挤、煮、烧等处理，或是使用各种化学试
花材
剂。但是，最常用的方法就是在水中剪掉花茎的根部（“水切”mizugiri），然后立即使用。为了恢复已枯萎的花朵和叶子的活力，可以在水中将它们剪切下，在水中浸泡30分钟以上。 当代的花道主要分为两种类型：“盛花”（moribana）和“投入花”（nageire）。 “盛花”是将花材用一个针状的架子（“剑山”kenzan）排列在一个浅盆中；“投入花”则采用了各种各样的方法将花材排列在深瓶。 使用剑山时，粗壮的枝要呈对角线斜着剪下，使枝的末端纵向分裂，这样便可以很容易的插入到针状支撑物中。 而花和其他比较柔软的材料最好是水平剪下，然后将它们垂直插入针状物中，再向前或后弯曲成所需要的角度。对于比剑山上面的针还要细的花材，如草，常在材料的末端缚上同种或不同的其他材料以增大根部的半径。 为了将花材排列于高瓶中，针对许多种材料都需要采用弯曲（折留oridome）的办法。 茎干靠瓶口，弯曲部分置于花瓶当中、贴靠瓶的内壁，根部则或许伸到瓶底。粗枝干的花材多采用自我支撑的方法（kiridome）：将花枝根部斜着剪下，直接插入花瓶中紧贴瓶子内壁。横插的方法（横割留voko-waridome）则是将花枝的根部水平剪开，将支撑物呈直角插入。横插植物应该稳稳当当地紧紧贴容器内壁。 为了使用竖式的支撑物（立割留tate-waridome），要使茎干的根部纵向裂开，以确保支撑物可以牢固的支撑住茎干的末端。 被支撑的茎干的底部应该可以接触到花器的内表面或是底部。
选择合适的花器
原则上，任何物品都可以作为花器。铜或陶花瓶、瓷器、及竹子的一部分，甚至是干葫芦都可以。但是，花器不仅仅只是用来插花，它也是花道作品不可分割的一部分。 若使用阔而浅的碗状花器（水盘），则应该巧妙的利用水的特性－水的反射性和阴凉的视觉印象－ 水的特性对花道作品成功有着非常重要的意义。现代花道中常采用不锈钢、玻璃和其他各种材料制成的花器。若使用透明的玻璃花瓶，则在布置时要注意花器内可见部分的排列。无论使用何种花器，花材的根部都要保持洁净和并拢。若用的是高花瓶，还要避免花材塞满花器口。
突出自然美
任何一门艺术的精通都需要经过技术精湛的老师的长期指导，但是所有老师对于花道艺术的学习都积累了一些共同的认识和体会。首先，在做任何作品的起始阶段，插花者都必须了解每一种植物在自然状态下是什么样子。 一旦植物被剪下，离开自然（温室）生长环境后，它们就成为具有个性的花道创作的材料。在选择花材时，要着重于花材的整体样子，而不要注重它那些迷惑人的细节。例如，在挑选山茶花时，最重要的是整枝，尤其是叶子，而不是花朵。因为如果花朵的位置不和谐，可以剪下，将它粘到更合适的位置。 对花枝弯曲加工不仅可以得到令人满意的曲线轮廓，而且这个办法也可以使弯曲的花枝直挺。 在做整体造型时， 除去一些不必要的细节乃是一个关键的技能，修剪的目的是强调整体的线条美。除去樱枝、李枝和桃枝上多余的花朵不仅可以使作品的线条突出，还能突出其他花朵的美。 所有的自然材料都可以当作作品中的线、面、色和块来使用。例如，大的叶子叶面很大，但也可以在作品中作轮廓使用、表现为线条。花材中每一只花朵都具有“面孔”，是朝着一定方向开放的。所以，在花朵的处理中，插花者必须考虑到在整个作品中，花朵是面向前、作为侧影还要躲避观赏者。插花时，花朵与叶子搭配在一起，但是蝴蝶花和水仙花的叶子则常与主茎分开来使用、置于另外一个更为惹人喜欢的位置，这样与花朵搭配在一起，可以使整个作品看上去更加“自然”，并且作为作品的元素起到更为有效的作用。
几大流派
挂花、吊花瓶插花

日本室町时期的挂花、吊花瓶插花法以及使用日常生活用具插花的技法在立花师傅中风行一时。在这个基础上，日本元禄时代又推出了一种新的插花法“投入花”。“投入花”是一种花道流派。提倡尽量保存花的自然样式。随着花道艺术的兴起，茶室内也讲究用鲜花装饰。多装饰茶室服务的投入花强调花枝弯折，向外伸展的插花格式。由于投入花较立花省工、省钱，所以很快在中、下层町民中间普及开来，并很快从茶道中分离出来，自成一体。
投入花
日本明和、安永年间以投入花为基础，相继涌现不少插花流派。其中比较有名的是一种流仪花。根据它的流仪和理论，起名为生花（把带枝的花艺术地插在瓶里或盘里的一种插花艺术），亦称正花、活花。生花技术讲究保持草木的自然姿态，强调体、用、留、真、副、体的调和，体现了儒教道德求天、地、人三材调和的思想。由于以上原因，插花时花形整体必须呈^形即三角形。加之生花流仪是日本花道界最古老、最正统的流派。
池坊花
十五世纪由立花名家专庆创造的池坊花是当今花道界最古老的流派。池坊之名取自京都六角堂（顶法寺），当年六角堂内的许多僧人都擅长专庆的立花。所以池坊又是花道的代名词。 日本宽政三年（1462）池坊插花术的开山祖专庆应邀为武将佐佐木高秀插花。几十枝鲜花插入金瓶内，绮丽无比，顷刻专庆的池坊插花术在立花界获得很高的声誉。十六世纪专应创作了《池坊专应口传》、专荣创作了《池坊专荣传书》。通过专应、专荣的努力，池坊立花成为花道界的主流派。直到今天，池坊立花仍是日本国内规模最大的花道流派。特别是战后建立了池坊学园。使用新的教授方法培养花道人材。与此同时，也开展对花道理论、技艺的研究。
未生流派
未生流派是日本江户初期由未生斋一莆（1761-1824）创立的另一个花道流派。今天，未生流派已发展成为比较有代表性的流派之一，致力于花道知识的普及工作。如今未生流派内又相继出现了斋家未生派、庵家未生派、院家未生派、嵯峨未生派、未生派中山文莆会、真养未生派、平安未生派、本能寺未生派、未生箢、大坂未生派、未生方云派、都未生派、洛阳未生派等等。未生派将儒家的天地人合作为插花的原理。基本花形为体现天圆、地方统一体的两个直角三角形。在直角三角形内，未生流派进行多种多样的创造发挥。其作品的特点是明快、简洁。
小原流派
日本明治末年由小原云心（1861-1916）创立的小原流至今仍是日本有代表性的花道流派之一。云心自幼随父学习池坊的插花技术。后来云心发现池坊派插花术重心过高，不够安稳。便创立了有重量感、重心偏低的插花术。接受自然影响的小原插花术以新颖的花型，为插花技艺增添了时代感。小原插花术的诞生是日本人学习西方文学的反映。但是，小原的插花试一直受到正统派的指责。云心不同于其他流派逐个收弟子学艺，而是招收弟子在自己家进行集体教授。这种教学法在当时可谓划时代的创举。至今小原流派的自然主义插花术仍受到不少日本人的喜爱。
草月流派
由使节河原苍风（1900- ）创立的草月流派是战后兴起的新流派。今天它同未生流派、小原流派一样。使节河原苍生批判了形式固定化的传统流派，提出自由地使用花器，自由处理素材的新理论。草月流派着眼于现实生活，组织造形，将西方的艺术观点糅合于插花艺术之中。铁丝、塑料、玻璃、石膏等均成为草月流派使用的插花辅助材料。今天尽管日本人对草月流派的评价各不相同，但它仍然是有实力的花道流派之一。

日本文化很流行吗？

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